চিত্রকথার ইতিহাস || পর্ব - ৭ ||

---

রামকিঙ্কর বেইজ - আধুনিক ভাস্কর্যের পথপ্রদর্শক

 

 রামকিঙ্কর বেইজ ছিলেন একজন ভারতীয় ভাস্কর এবং চিত্রশিল্পী, আধুনিক ভারতীয় ভাস্কর্যের পথপ্রদর্শকদের একজন এবং প্রাসঙ্গিক আধুনিকতাবাদের একজন প্রধান ব্যক্তিত্ব।  বেইজ ভারতের পশ্চিমবঙ্গের বাঁকুড়া জেলায় অর্থনৈতিকভাবে বিনয়ী পরিবারে জন্মগ্রহণ করেন।  কিশোর বয়সে রামকিঙ্কর ভারতের ব্রিটিশ শাসকদের বিরুদ্ধে অসহযোগ আন্দোলনে জড়িত ভারতীয় স্বাধীনতা সংগ্রামীদের প্রতিকৃতি আঁকতেন।  16 বছর বয়সে তিনি প্রখ্যাত সাংবাদিক রামানন্দ চ্যাটার্জির নজরে পড়েন।

 

চার বছর পর রামকিঙ্কর শান্তিনিকেতনের বিশ্বভারতী বিশ্ববিদ্যালয়ে চারুকলার ছাত্র হিসেবে যোগ দেন।  বিশ্ববিদ্যালয় থেকে ডিপ্লোমা অর্জনের পর তিনি ভাস্কর্য বিভাগের প্রধান হন।  রামকিঙ্করের বিখ্যাত ভাস্কর্য শিষ্যদের মধ্যে রয়েছে প্রভাস সেন, শঙ্খো চৌধুরী, অবতার সিং পানওয়ার, মদন ভাটনগর, ধর্মানি, বলবীর সিং কাট্ট, রাজুল ধারিয়াল এবং সুসান ঘোস একটি ছোট ছেলে হিসাবে, তিনি স্থানীয় কারিগর এবং চিত্র-নির্মাতাদের কাজের সময় দেখে বড় হয়েছিলেন;  এবং তার পথে যা আসে তা দিয়ে ছোট মাটির চিত্র এবং পেইন্টিং তৈরি করে।

1938 সালে শান্তিনিকেতনে তৈরি "সাঁওতাল পরিবার"

 

 এটি তাকে 1925 সালে, জাতীয়তাবাদী প্রকাশক এবং নতুন ভারতীয় শিল্প আন্দোলনের জন্য রামানন্দ চ্যাটার্জির পরামর্শে শান্তিনিকেতনের আর্ট স্কুল কলা ভাবনায় তার পথ চিহ্নিত করতে পরিচালিত করেছিল।  শান্তিনিকেতনে, নন্দলাল বোসের নির্দেশনায় এবং রবীন্দ্রনাথ ঠাকুরের দ্বারা আকৃতির মুক্ত বৌদ্ধিক পরিবেশের দ্বারা উৎসাহিত হয়ে, তাঁর শৈল্পিক দক্ষতা এবং বুদ্ধিবৃত্তিক দিগন্ত নতুন গভীরতা এবং জটিলতা অর্জন করে।

 

 কলা ভবনে পড়াশোনা শেষ করার পর শীঘ্রই তিনি এর অনুষদের সদস্য হন এবং নন্দলাল এবং বিনোদ বিহারী মুখার্জির সাথে শান্তিনিকেতনকে স্বাধীনতা-পূর্ব ভারতে আধুনিক শিল্পের সবচেয়ে গুরুত্বপূর্ণ কেন্দ্রে পরিণত করার ক্ষেত্রে গুরুত্বপূর্ণ ভূমিকা পালন করেন।  তিরিশের দশকের গোড়ার দিকে তিনি ক্যাম্পাসকে একের পর এক ভাস্কর্যে ভরিয়ে দিতে শুরু করেন, যা বিষয়বস্তুতে উদ্ভাবনী এবং ব্যক্তিগত শৈলীতেও ছিল।

 

এই ধারায় তাঁর প্রথম শ্রেষ্ঠ রচনা ছিল 1938 সালে করা সাঁওতাল পরিবার। এই বৃহত্তর জীবন ভাস্কর্যে তিনি এই অঞ্চলের উপজাতীয় কৃষকদের প্রতিনিধিত্ব করেছিলেন, চিত্রগুলিকে আইকনিক উপস্থিতি এবং মর্যাদাপূর্ণ অনুগ্রহ প্রদান করেছিলেন যা এখনও পর্যন্ত ঈশ্বর এবং শাসকদের চিত্রের মধ্যে সীমাবদ্ধ ছিল। সিমেন্ট এবং ল্যাটারাইট মর্টার ব্যবহার করে চিত্রগুলিকে মডেল করা, এবং একটি ব্যক্তিগত শৈলীর ব্যবহার যাতে আধুনিক পশ্চিমা এবং ভারতীয় প্রাক-শাস্ত্রীয় ভাস্কর্যের মূল্যবোধগুলিকে একত্রিত করা হয়েছিল।

 

 এই মৌলিক কাজের মাধ্যমে রামকিঙ্কর নিজেকে নিঃসন্দেহে আধুনিক ভারতীয় ভাস্কর হিসেবে প্রতিষ্ঠিত করেন।  ঋত্বিক ঘটক বিচক্ষণতার সাথে বেইজের উপর 'রামকিঙ্কর' (1975) নামে একটি তথ্যচিত্র তৈরি করেছিলেন যেখানে তিনি তাকে একজন রাজনৈতিক আইকন হিসেবে তুলে ধরেন।  2012 সালে ভাস্কর কে.এস.  রাধাকৃষ্ণান দিল্লির ন্যাশনাল গ্যালারি অফ মডার্ন আর্ট-এ রামকিঙ্করের একটি গ্র্যান্ড রেট্রোস্পেকটিভ কিউরেট করেছেন।  রামকিঙ্কর বাইজ (বই), বিশিষ্ট শিল্প ইতিহাসবিদ অধ্যাপক আর. শিব কুমারের বইটি রামকিঙ্কর বাইজের সবচেয়ে ব্যাপক গ্রন্থ বলে মনে করা হয়।

 

তথ্যসূত্র : Wikipedia, Google.

 

 "(ছবি Google থেকে সংগৃহীত)

 

পড়ার জন্য অসংখ্য ধন্যবাদ।

 

শিল্প ইতিহাসের আরও নতুন নতুন বিষয় নিয়ে আরও লেখা এই ব্লগ নিয়মিত পাবেন। তাই নিয়মিত আমাদের ব্লগ Follow করুন।

চিত্রকথার ইতিহাস || পর্ব - ৬ ||

 

 “মধুবনী চিত্র” ভারতের এক অনবদ্য শিল্পশৈলী

 

 মধুবনী চিত্রকলা বহু বিখ্যাত ভারতীয় শিল্পকলার একটি।  বিহার ও নেপালের মিথিলা অঞ্চলে এটি প্রচলিত হওয়ায় একে মিথিলা বা মধুবনী শিল্প বলা হয়।  প্রায়শই জটিল জ্যামিতিক নিদর্শন দ্বারা চিহ্নিত করা হয়, এই চিত্রগুলি উৎসব, ধর্মীয় আচার ইত্যাদি সহ বিশেষ অনুষ্ঠানের জন্য আচার বিষয়বস্তুর প্রতিনিধিত্ব করার জন্য পরিচিত। মধুবনী চিত্রগুলিতে ব্যবহৃত রঙগুলি সাধারণত গাছপালা এবং অন্যান্য প্রাকৃতিক উৎস থেকে উদ্ভূত হয়।  এই রঙগুলি প্রায়শই উজ্জ্বল হয় এবং ভুষা এবং গিরিমাটি মতো রঞ্জকগুলি যথাক্রমে কালো এবং বাদামী তৈরি করতে ব্যবহৃত হয়।  সমসাময়িক ব্রাশের পরিবর্তে, পেইন্টিংগুলি তৈরি করতে ডাল, ম্যাচস্টিক ইত্যাদির ব্যবহার এবং এমনকি আঙ্গুলও ব্যবহার করা হয়।

 

ইতিহাস ও বিবর্তন

 

 মধুবনী চিত্রকলার উৎপত্তি বিহারের মিথিলা অঞ্চলে।  মধুবনী চিত্রকলার প্রাথমিক কিছু উল্লেখ হিন্দু মহাকাব্য রামায়ণে পাওয়া যায় যখন সীতার পিতা রাজা জনক তার চিত্রশিল্পীদেরকে তার মেয়ের বিয়ের জন্য মধুবনী চিত্রকর্ম তৈরি করতে বলেন।  জ্ঞান প্রজন্ম থেকে প্রজন্মান্তরে স্থানান্তরিত হয়েছিল এবং চিত্রগুলি এই অঞ্চলের ঘরে ঘরে শোভা পেতে শুরু করেছিল।  গ্রামের মহিলারা নিজ নিজ বাড়ির দেয়ালে এই ছবি আঁকার চর্চা করতেন।  তাদের চিত্রগুলি প্রায়শই তাদের চিন্তা, আশা এবং স্বপ্নকে চিত্রিত করে।

 

 সময়ের সাথে সাথে, মধুবনী পেইন্টিংগুলি উৎসব এবং বিবাহের মতো বিশেষ অনুষ্ঠানগুলির একটি অংশ হয়ে ওঠে।  ধীরে ধীরে, এই শিল্পটি শিল্পের অনুরাগীদের আকৃষ্ট করেছিল কারণ অনেক সমসাময়িক ভারতীয় শিল্পী এই শিল্পটিকে বৈশ্বিক মঞ্চে নিয়েছিলেন।  প্লাস্টার করা মাটির দেয়ালের ঐতিহ্যগত ভিত্তিটি শীঘ্রই হস্তনির্মিত কাগজ, কাপড় এবং ক্যানভাস দ্বারা প্রতিস্থাপিত হয়।  যেহেতু পেইন্টিংগুলি একটি সীমিত ভৌগলিক পরিসরে সীমাবদ্ধ, তাই থিম এবং শৈলীও কমবেশি একই রকম।

 

শৈলী এবং কৌশল

 

 মধুবনী পেইন্টিংগুলি প্রাথমিকভাবে বিভিন্ন সম্প্রদায়ের লোকদের দ্বারা অনুশীলন করা হয়েছিল এবং তাই চিত্রগুলিকে পাঁচটি ভিন্ন শৈলীতে শ্রেণীবদ্ধ করা হয়েছিল, যেমন তান্ত্রিক, কোহবার, ভরনি, গোদনা, কাচনি।  কিন্তু আজ, এই পাঁচটি ভিন্ন শৈলী সমসাময়িক শিল্পীদের দ্বারা একত্রিত হয়েছে।  এই পেইন্টিংগুলিতে ব্যবহৃত থিমগুলি প্রায়শই কৃষ্ণ, রাম, লক্ষ্মী, শিব, দুর্গা এবং সরস্বতীর মতো হিন্দু দেবতার চারপাশে আবর্তিত হয়।  এছাড়াও, সূর্য এবং চাঁদের মতো স্বর্গীয় দেহগুলি প্রায়শই মধুবনী চিত্রগুলির কেন্দ্রবিন্দু তৈরি করে।

 

 রাজকীয় দরবার এবং বিয়ের মতো সামাজিক অনুষ্ঠানের দৃশ্যের উপর ভিত্তি করে কেউ পেইন্টিংও খুঁজে পেতে পারেন।  এই পেইন্টিংগুলিতে জ্যামিতিক নিদর্শনগুলির ব্যবহার বেশ স্পষ্ট।  মধুবনী পেইন্টিংগুলিতে এই জটিল গাণিতিক নিদর্শনগুলি ব্যবহার করা হয়েছিল তা তাদের আরও আকর্ষণীয় এবং বিশেষ করে তোলে।

 

 এই পেইন্টিংগুলি তাদের সরলতার জন্যও পরিচিত, কারণ ব্যবহৃত ব্রাশ এবং রঙগুলি প্রায়শই প্রাকৃতিক উৎস থেকে উদ্ভূত হয়।  যদিও পেইন্টিংগুলি মূলত গুঁড়ো চাল, হলুদ থেকে প্রাপ্ত রং, পরাগ, রঙ্গক, নীল, বিভিন্ন ফুল, চন্দন, এবং বিভিন্ন গাছপালা ও গাছের পাতা ইত্যাদি ব্যবহার করে তৈরি করা হয়। এছাড়াও, অনেক প্রাকৃতিক উৎস একত্রিত করা হয় এবং পছন্দসই প্রাপ্ত করার জন্য প্রক্রিয়া করা হয়।  রঙগুলি প্রায়শই শিল্পীরা নিজেরাই প্রস্তুত করেন।  চিত্রকর্ম শেষ করার পরেও শিল্পীরা যদি খালি জায়গা জুড়ে আসে, তবে তারা সাধারণত ফুল, পশু, পাখি এবং জ্যামিতিক নিদর্শনগুলির মোটিফ দিয়ে সেই খালি স্থানগুলি পূরণ করে।  একটি ডবল লাইন সাধারণত সীমানা হিসাবে আঁকা হয়।

 

তথ্যসূত্র : Wikipedia, Google.

 

 "(ছবি Google থেকে সংগৃহীত)

 

পড়ার জন্য অসংখ্য ধন্যবাদ।

 

শিল্প ইতিহাসের আরও নতুন নতুন বিষয় নিয়ে আরও লেখা এই ব্লগ নিয়মিত পাবেন। তাই নিয়মিত আমাদের ব্লগ Follow করুন।

চিত্রকথার ইতিহাস || পর্ব - ৫ ||

 

চিত্রশিল্পী হিসাবে রবীন্দ্রনাথ ঠাকুর

 

রবীন্দ্রনাথ ঠাকুরের নীতিগুলি ভারতের প্রাচীন ও কালজয়ী দর্শনের গভীরে নিহিত ছিল।  তার বিশাল জ্ঞান এবং সৃজনশীল প্রতিভা দিয়ে, তিনি উপনিষদ থেকে তার মূল্যবান অন্তর্দৃষ্টি পুরো বিশ্বে ছড়িয়ে দিয়েছেন। তাঁর অবদানের জন্য ব্যাপক স্বীকৃতি অর্জন করেছেন।  রূপের জগতে তিনি নিরাকারের মধ্যে দেবত্বের সন্ধান করেছিলেন।

 

 উল্লেখযোগ্যভাবে, ঠাকুরের কল্পনাপ্রসূত ধারা কেবল তাঁর লেখার মধ্যেই সীমাবদ্ধ ছিল না।  তাঁর ব্রাশস্ট্রোকগুলি তাঁর গদ্য এবং কবিতার মতোই শক্তিশালী ছিল।  ঠাকুর তাঁর চিত্রকর্মকে শেষ বয়সের প্রিয়া (শেষ জীবনের সন্ধ্যায় একটি প্রেম) হিসাবে বর্ণনা করেছেন। একজন প্রতিভাধর চিত্রশিল্পী হিসাবে, "দ্য বার্ড অফ বেঙ্গল" প্রথম ভারতীয় শিল্পী হওয়ার গৌরব অর্জন করেছিলেন যার হাজার হাজার চিত্র রাশিয়া, ইউরোপ এবং মার্কিন যুক্তরাষ্ট্র জুড়ে প্রদর্শিত হয়েছিল।

 

ঠাকুরের শৈল্পিক যাত্রা শুরু হয়েছিল 63 বছর বয়সে, তাঁর জীবনের শেষ 15 বছরে, এই ক্ষেত্রের কোনও আনুষ্ঠানিক প্রশিক্ষণ না থাকা সত্ত্বেও।  তা সত্ত্বেও, কবিতা, সাহিত্য এবং সামাজিক সংস্কারের প্রতি তার প্রখর সংবেদনশীলতা তার শৈল্পিক কল্পনাকে অবহিত করেছে এবং ক্যানভাসে তার জীবনের চিত্রণকে ব্যাপকভাবে প্রভাবিত করেছে।  তিনি ল্যান্ডস্কেপ থেকে পাখি এবং প্রাণীর প্রতিকৃতি থেকে বিভিন্ন বিষয়ের অন্বেষণ করেছেন।  তাঁর খোলামেলা গল্পগুলির মতোই, ঠাকুরের চিত্রগুলি ব্যাখ্যার জন্য যথেষ্ট জায়গা দেয়।  এগুলি সূক্ষ্ম রেখা, নিদর্শন এবং রঙ দ্বারা চিহ্নিত করা হয় যা তার চিত্রগুলিতে একটি অনন্য ব্যক্তিত্ব দেয়।

 

নিঃসন্দেহে ঠাকুর প্রকৃতি প্রেমিক ছিলেন।  গীতাঞ্জলির শ্লোকগুলিতে তাঁর সর্বৈশ্বরবাদী দৃষ্টিভঙ্গি দৃশ্যমান।  তাঁর পরিবারের খামারের শৈশব স্মৃতি এবং শান্তিনিকেতনের শান্তিপূর্ণ পরিবেশ প্রাকৃতিক জগতের প্রতি তাঁর উপলব্ধিকে গভীরভাবে প্রভাবিত করেছিল যা নিঃসন্দেহে তাঁর লেখা এবং চিত্রকর্মে একইভাবে প্রতিফলিত হয়।

ঠাকুরের ল্যান্ডস্কেপ পেইন্টিংগুলি প্রকৃতির তীক্ষ্ণ, বিস্তারিত, বর্ণনা দ্বারা চিহ্নিত করা হয় না;  পরিবর্তে, তারা একটি স্বপ্নময়, সিলুয়েটের মতো গুণের অধিকারী।  তার ল্যান্ডস্কেপ প্রায়ই আলো এবং ছায়ার একটি পারস্পরিক বৈশিষ্ট্যযুক্ত;  "সন্ধ্যার আকাশের সোনালি চাঁদোয়া" সহ "ভ্রুকুটি বন", সম্ভবত প্রকৃতির পরিবর্তনশীল মেজাজের প্রতি তার সংবেদনশীলতা প্রদর্শন করে।  ল্যান্ডস্কেপগুলিতে সাধারণত ভূমি এবং জলের বিস্তৃত বিস্তৃতির বিপরীতে অন্ধকার গাছের গুচ্ছ অন্তর্ভুক্ত থাকে, যা প্রশান্তি এবং পূর্বাভাসিত রহস্য উভয়ের অনুভূতি জাগিয়ে তোলে, সম্ভবত ঐশ্বরিক হস্তক্ষেপের আকাঙ্ক্ষাও।

 

ঠাকুর একবার প্রকাশ করেছিলেন যে চিত্রকলার, অন্য যেকোন শিল্পের চেয়ে বেশি, একটি নিরবধি গুণ রয়েছে, তিনি বলেছিলেন "... তাই প্রায়শই আমি মনে করি যে কেবল চিত্রেরই একটি মৃত্যুহীন গুণ রয়েছে"।

 

 মানুষের মুখ ও রূপ আঁকার ঠাকুরের ন্যূনতম শৈলী তার প্রজাদের মনের অবস্থাকে কার্যকরভাবে তুলে ধরে বলে মনে হয়।  তার প্রতিকৃতি প্রায়ই দুঃখ, ভয় এবং রহস্য সহ বিভিন্ন আবেগ প্রকাশ করে।  বিষয়ের লিঙ্গ নির্বিশেষে, ঠাকুর তাদের শারীরিক চেহারাকে আদর্শ করেননি।  তাদের চোখ গভীর দুঃখের কথা বলেছিল এবং তারা অন্তহীন জড়তার অনুভূতি প্রকাশ করেছিল।  এটা সম্ভব যে এটি ঠাকুরের পরিবারের সদস্যদের মৃত্যুর পর তার নিজের ক্ষতি এবং যন্ত্রণার অভিজ্ঞতার ফলাফল ছিল।

 

আমরা যদি তার পেস্টিচ পেইন্টিংগুলি দেখি, আমরা লক্ষ্য করব যে তারা বিশিষ্ট জ্যামিতিক নিদর্শনগুলিকে বৈশিষ্ট্যযুক্ত করে যা প্রায়শই পাখি এবং এমনকি প্রাণীদের সাথে সাদৃশ্যপূর্ণ, তবে প্রচলিত উপায়ে নয়।  এই কাজগুলির একটি পরাবাস্তব গুণ রয়েছে যা পিকাসোর মতো আধুনিক চিত্রশিল্পীদের শৈলীর কথা মনে করিয়ে দেয়।  নিদর্শনগুলি অদ্ভুত এবং গতিশীল এবং ঠাকুর তাদের "সম্ভাব্য প্রাণী" হিসাবে উল্লেখ করেছেন যে তারা শুধুমাত্র "আমাদের স্বপ্নে" অস্তিত্বে আসতে পারে।  তার অবচেতন মনকে চালিত করার তার প্রচেষ্টার মাধ্যমে, তিনি এমন একটি রচনা তৈরি করেছেন যা বিদ্বেষপূর্ণ এবং চিন্তা-প্ররোচনামূলক, বাস্তবতা এবং প্রাকৃতিক বিশ্ব সম্পর্কে আমাদের উপলব্ধিকে চ্যালেঞ্জ করে।

 

 এতে কোন সন্দেহ নেই যে ঠাকুরের রচনা তাঁর আগ্রহের মতোই বিশাল। বহুবিদ্যাজ্ঞ হিসাবে, তিনি স্বপ্ন এবং বাস্তবতা, আশা এবং নিরাশা, রূপ এবং নিরাকারের সংমিশ্রণ সহ বিভিন্ন মাধ্যমের মাধ্যমে তার ধারণা এবং জ্ঞানকে আবদ্ধ করার চেষ্টা করেছিলেন।

 

তথ্যসূত্র : Wikipedia, Google.

(ছবি Google থেকে সংগৃহীত)

পড়ার জন্য অসংখ্য ধন্যবাদ।

 

শিল্প ইতিহাসের আরও নতুন নতুন বিষয় নিয়ে আরও লেখা এই ব্লগ নিয়মিত পাবেন। তাই নিয়মিত আমাদের ব্লগ Follow করুন।

চিত্রকথার ইতিহাস || পর্ব - ৪ ||

কালীঘাট পেইন্টিংস - ইতিহাস, বিষয় এবং শৈলী :

 

 শতাব্দীর পর শতাব্দী ধরে, পশ্চিমবঙ্গ কিছু সর্বশ্রেষ্ঠ সাংস্কৃতিক ও রাজনৈতিক বিপ্লবের আবাসস্থল - দেশের এই অংশ থেকে কিছু শ্রেষ্ঠ শিল্পী ও নেতা আবির্ভূত হয়েছেন।  সময়ের সাথে হারিয়ে যাওয়া শিল্পকলার জ্ঞানের ভিত্তিকে পুনরুজ্জীবিত করার জন্য নিবেদিত আমাদের সিরিজে, আজ আমরা শিল্পের এমন একটি রূপ দেখছি যা পশ্চিমবঙ্গে জন্মগ্রহণ করেছিল, কিন্তু আজ সারা বিশ্বে স্বীকৃত – যদি আপনি কখনও গ্রহণ করেন  বিশ্বের সেরা লর্ড কৃষ্ণ পেইন্টিংগুলি ব্রাউজ করার সময়, সম্ভবত আপনি ইতিমধ্যেই একটি কালীঘাট পেইন্টিং দেখেছেন৷

 

ইতিহাস এবং উৎস :

 

এটি বিশ্বাস করা হয় যে কালীঘাট চিত্রকলার শৈলীটি 19 শতকের মাঝামাঝি বেঙ্গল প্রেসিডেন্সিতে উদ্ভূত হয়েছিল এবং এটি পট্টচিত্রের শৈলী থেকে অনুপ্রাণিত হয়েছিল।  আসল শিল্পীরা আসলে স্ক্রোল পেইন্টার ছিলেন এবং এমন চিত্র তৈরি করেছিলেন যা চারপাশে বহন করা যেতে পারে এবং গল্প বলার মাধ্যম হিসাবে ব্যবহার করা যেতে পারে।  কাপড় বা পাতার উপর আঁকা হতো এবং প্রাচীন ধর্মগ্রন্থ ও ধর্মীয় বই থেকে গল্প বলা হতো।  তারা তখন এক শহর থেকে অন্য শহরে যাতায়াত করত, এই ছবিগুলির সাহায্যে গল্প বলত, নিজেদের নাম, পটুয়া বা যারা কাপড়ে আঁকত তাদের নাম আয় করত।

 

 কালীঘাট নামটির উদ্ভবের কারণ হল এই শিল্পের প্রধান অনুশীলনকারীরা ছিলেন কলকাতার কালীঘাট এলাকার কালীঘাট কালী মন্দিরের আশেপাশের এলাকার বাসিন্দা।  শিল্পীরা ছোট ছোট পেইন্টিং তৈরি করেন, এবং অত্যন্ত কম দামে বাজারে নিয়ে আসেন, যা মন্দিরে আসা ভক্তরা স্যুভেনির হিসেবে কিনতে পারেন। প্রদত্ত যে এটিও এমন একটি সময় ছিল যখন মেশিনগুলি ক্রমবর্ধমান ছিল এবং যে কোনও মানুষের প্রচেষ্টার চেয়ে অনেক দ্রুত প্রাচীর সজ্জা আইটেমগুলি পুনরুত্পাদন করতে পারত, শিল্পীদের প্রতিভাকে অতিরিক্ত প্রেরণা দিতে হয়েছিল।  কালীঘাট স্কুলের শিল্পীরা ব্যাপক উৎপাদন আন্দোলন থেকে অনুপ্রেরণা ও সহায়তা নিয়েছিলেন – তারা কলকারখানায় তৈরি হওয়া জলরঙ এবং কাগজ ব্যবহার করতে শুরু করেছিলেন যাতে আরও কম দামে এটি বাজারে নিয়ে আসা সম্ভব হয়, এবং সাধারণ মানুষ সেটা সহজেই কিনতে পারেন। এবং পরিবর্তিত সময়ের সাথে নিজেদের এবং তাদের শিল্পের রূপকে বিকশিত করেছিলেন।  প্রকৃতপক্ষে, ব্রিটিশরা এই শিল্পের বিকাশে অনেক সাহায্য করেছিল এবং এমনকি কলকাতা স্কুল অফ আর্ট স্থাপনেও সাহায্য করেছিল, যা বেশ কিছু ঐতিহ্যবাহী শিল্পীকে আকৃষ্ট করেছিল।

 সময়ের সাথে সাথে, কালীঘাট চিত্রকলা শৈলীর দুটি খুব স্বতন্ত্র শৈলী আবির্ভূত হয়:

 

প্রাচ্য - এটিই ছিল আদি শৈলী যা কালীঘাট পটচিত্র চিত্রকলার সাথে ঘনিষ্ঠভাবে জড়িত ছিল - থিমগুলি বেশিরভাগই কৃষ্ণ এবং দুর্গার গল্পের সাথে যুক্ত ছিল, কারণ তারা ছিল এই অঞ্চলের বিশিষ্ট দেবতা।  চৈতন্য মহাপ্রভু এবং তাঁর শিষ্য এবং অন্যান্য ধর্মীয় ব্যক্তিত্বের জীবন থেকে নেওয়া থিমগুলিও ছিল।  যাইহোক, থিমগুলো সেখানেই থেমে থাকেনি – ধর্মনিরপেক্ষ থিম এবং চলমান স্বাধীনতা সংগ্রামের সাথে যুক্ত ব্যক্তিরাও এটিকে বেশ কয়েকবার ক্যানভাসে তুলে ধরেছে।

 

 অক্সিডেন্টাল - আরও আধুনিক সংস্করণ, যা প্রায় একই সময়ে আবির্ভূত হয়েছিল, এটি এলাকার মানুষের দৈনন্দিন জীবনের উপর বেশি দৃষ্টি নিবদ্ধ করেছিল - এটি শুধুমাত্র মানুষের দৈনন্দিন জীবনকে ধারণ করেনি, বরং সামাজিক ব্যঙ্গ-বিদ্রুপেও তুলে ধরেছিল।

 

 কালীঘাটের চিত্রশিল্পীদের মধ্যে সবচেয়ে মজার বিষয় হল যে তাদের মধ্যে কেউই প্রকৃতপক্ষে চিত্রশিল্পী ছিলেন না এই অর্থে যে এটিকে তাদের প্রাথমিক কর্মসংস্থান হিসাবে দেখা হয়েছিল - তারা ছিল ছুতোর, কুমোর এবং পাথর শ্রমিক যারা এই চিত্রগুলিকে আয়ের অতিরিক্ত উৎস হিসাবে তৈরি করেছিলেন। 

 

বিশেষ বৈশিষ্ট্য এবং প্রধান বিষয়:

 

 যখন পেইন্টিং স্কুল শুরু হয়েছিল, তখন পেইন্টিংগুলি অনেক ছোট ছিল এবং সম্ভবত একক দেবতার - তাই উদাহরণস্বরূপ, আপনি যদি সেই দিনগুলিতে একজন ক্রেতা হতেন, তবে আপনি একমাত্র তাকে কেন্দ্র করে বা একটি দেবী দুর্গার চিত্রকর্ম কিনতে সক্ষম হতেন।  চিত্রকলার একমাত্র নায়ক হিসেবে ছিলেন কৃষ্ণ।  সময়ের সাথে সাথে, রেডিমেড কাগজের ব্যবহারে, চিত্রগুলিতে আরও অক্ষর যুক্ত হতে শুরু করে এবং চিত্রের অন্যান্য শৈলীর প্রভাবও পড়তে থাকে।

 

 পেইন্টিংগুলির একটি অনন্য সচিত্র রূপ ছিল, যা প্রায়শই আলো এবং ছায়া ব্যবহার করে বা রৈখিক আকারে চিত্রিত করা হত।  যাইহোক, লিনিয়ার ফর্মটি সহজ ছিল, কারণ সাধারণ ব্রাশ এবং হ্যান্ড স্ট্রোক ব্যতীত কোনও সরঞ্জাম ব্যবহার করা হয়নি।  যাইহোক, অনেক স্পষ্ট কনট্যুর ছিল, কিন্তু একটি পটভূমির অভাব ছিল।  রঙের প্রয়োগ একটি নির্দিষ্ট ক্রমানুসারে করা হয় এবং একবারে একটি করে – তাই উদাহরণস্বরূপ, মুখ এবং দৃশ্যমান অঙ্গগুলি প্রথমে আঁকা হয় এবং তারপরে অন্যান্য সমস্ত বিবরণ পূরণ করা হয়।

 

 চিত্রশিল্পীরা এমন ছিলেন না যাদের বাইরের জগতের অনেক প্রকাশ ছিল - তারা নিজের চারপাশে যা দেখেছিল তাই এঁকেছিলেন।  কালীঘাটের চিত্রকর্মগুলি নম্র মাছ থেকে ভিন্ন হতে পারে, যা বিড়ালের মতো গৃহপালিত প্রাণীদের খাবারের অবিচ্ছিন্ন অংশ ছিল।  দুর্গা এবং কৃষ্ণ সহ ধর্মীয় রূপগুলি নিয়মিতভাবে প্রদর্শিত হয়েছিল যেমন পুরোহিতরা আশেপাশের মন্দিরগুলিতে পূজা পরিচালনা করতেন।  প্রকৃতপক্ষে, এমনকি দেবতাদেরকেও সাধারণ মানুষ হিসাবে চিত্রিত করা হয়েছিল - একটি অত্যন্ত জনপ্রিয় চিত্রকর্মে, কালীঘাট চিত্রশিল্পীরা শিব, পার্বতী এবং গণেশকে একটি সাধারণ পরিবার হিসাবে দেখিয়েছেন।  গণেশ যখন তার বাবার কাঁধে চড়ে, পার্বতী একজন সাধারণ বাঙালি মহিলার মতো পোশাক পরে তার বিরক্তিকর ছেলেকে শান্ত করার চেষ্টা করে।  সেই সময়ে কলকাতায় বসবাসকারী ধনী জমিদারদের ছবিও ছিল, এবং তাদের বিলাসবহুল জীবনযাত্রার চিত্র সাধারণ ছিল।  আপনি চিত্রগুলিতে ব্রিটিশদের একটি উপস্থিতিও দেখতে পারেন।

 

ব্যবহৃত উপকরণ এবং তৈরি:

 

 পেইন্টিংগুলি সর্বদা খুব মৌলিক উপাদান ব্যবহার করে তৈরি করা হয়েছিল - কাঠবিড়ালি বা ছাগলের চুল ব্যবহার করে ব্রাশগুলি তৈরি করা হয়, রঙগুলি প্রাকৃতিক উপাদান থেকে নেওয়া হয়।  বাতি জ্বালিয়ে রেখে যাওয়া কাঁচ থেকে কালো, ফুল ও পাতা থেকে লাল ও সবুজ, হলুদ থেকে হলুদ ইত্যাদি। শুকনো গুঁড়ো  রঙ তৈরি করতে সেগুলি জল বা আঠার সাথে মিশ্রিত করা হয়।  যাইহোক, যখন শিল্প বিপ্লব শুরু হয়, জলরং জনপ্রিয় বিকল্প হয়ে ওঠে। এবং ধীরে ধীরে কালীঘাট পেইন্টিং জনপ্রিয়তা লাভ করে।

 

 

তথ্যসূত্র : Wikipedia, Google.

 

 "(ছবি Google থেকে সংগৃহীত)

 

পড়ার জন্য অসংখ্য ধন্যবাদ।

 

শিল্প ইতিহাসের আরও নতুন নতুন বিষয় নিয়ে আরও লেখা এই ব্লগ নিয়মিত পাবেন। তাই নিয়মিত আমাদের ব্লগ Follow করুন।

চিত্রকথার ইতিহাস || পর্ব - ৩ ||

রাজা রবি বর্মার  "শকুন্তলা" সম্পর্কে গভীর তথ্য

শিল্পী : রাজা রবি বর্মা

29 এপ্রিল 1848 সালে কেরালার ত্রিভান্দ্রামের কিলিমানুরে জন্মগ্রহণকারী রবি ত্রাভাঙ্কোরের রাজপরিবারের সদস্য ছিলেন। শুরুতে, রবির কাকা রাজা রাজা ভার্মা, যিনি একজন ভালো শিল্পীও ছিলেন, তাকে চিত্রকলার মূল বিষয়গুলি শিখিয়েছিলেন। রবির বয়স যখন চৌদ্দ, মহারাজা আয়িলিয়াম থিরুনাল তাকে ত্রাভাঙ্কোরে নিয়ে যান এবং তাকে রাজকীয় চিত্রশিল্পী রাম স্বামী নাইডুর অধীনে রাখেন। কোর্ট পেইন্টারের অধীনে একজন শিক্ষানবিশ হওয়ার তিন বছর পর, রবি একজন ব্রিটিশ পেইন্টার থিওডোর জেনসনের অধীনে পেইন্টিং শিখতে শুরু করেন।

আমরা যদি সেই সময়ের দিকে তাকাই যখন শিল্পী শিল্পক্ষেত্রে প্রবেশ করেছিলেন, সেই সময়টি ছিল এমন একটি সময় যখন ভারত তার শৈল্পিক যাত্রায় প্রায় একটি নতুন আকার নিয়েছিল, ঐতিহ্যগত চিত্রকলাকে দূরে রেখে এবং নিজেকে আধুনিক শিল্পে জড়িত করেছিল। তাই, একটি নতুন কৌশল প্রতিষ্ঠা করার জন্য, রবি প্রথম শিল্পী হয়ে ওঠেন যিনি তেল রং ব্যবহার করেন, যার কারণে তিনি সেই সময়ের একজন বিতর্কিত শিল্পী হয়ে ওঠেন, কারণ ঠাকুর পরিবার ভারতীয় শিল্পকে পাশ্চাত্যকরণ থেকে দূরে রাখতে চেয়েছিল। শুরুতে, রেমব্রান্ট রবিকে অনুপ্রাণিত করেছিলেন, যা শিল্পীকে তার ক্যানভাসে ইউরোপীয় শিল্প কৌশলগুলিকে অন্তর্ভুক্ত করতে পরিচালিত করেছিল। যাইহোক, তিনি যে বিষয়গুলি বেছে নিয়েছিলেন তা সর্বদা ভারতীয় দেবী এবং পৌরাণিক ব্যক্তিত্ব ছিল।

রাজা রবি বর্মা ভারতে স্বীকৃত হন, যার ফলে তিনি ভারতীয় আভিজাত্য এবং ইউরোপীয়দের কাছ থেকে কমিশন পান। রবি মাদ্রাজ, ত্রিভান্দ্রম, বরোদা, উদয়পুর এবং অন্যান্য রাজ্যের রাজাদের প্রতিকৃতি তৈরি করেন। তাঁর কিছু সেরা কাজ, যা খুবই তাৎপর্যপূর্ণ। এর মধ্যে রয়েছে শকুন্তলার প্রেমপত্র, বিশ্বামিত্র-মেনকা, মোহিনী, দময়ন্তী এবং শ্রী রামা ভ্যাঙ্কুইশিং দ্য সি।

1893 সালে, এই চিত্রগুলি প্রথম কেরালার বাইরে প্রদর্শিত হয়েছিল, যা জনসাধারণকে রবির শৈল্পিক ক্ষমতা দেখতে পরিচালিত করেছিল। উল্লেখ করার মতো নয়, এটি একজন শিল্পী হিসাবে একটি শতাব্দীর জন্য একটি সম্পূর্ণ প্রশংসনীয় অর্জন।

শিল্পকর্মের ইতিহাস এবং পটভূমি

আমরা যা জানি, বরোদার গায়কওয়ার (সয়াজি রাও) 1888 থেকে 1890 সালের মধ্যে চৌদ্দটি চিত্রকর্মের একটি সিরিজ পরিচালনা করেছিলেন। সেগুলি মহাভারত এবং রামায়ণের চরিত্র ও গল্পের অন্তর্গত। "শকুন্তলা " ছিলেন কমিশনে অন্তর্ভুক্তদের একজন। এটি বাজার পেইন্টিং স্কুলের অধীনে আসে, যা রোমান এবং গ্রীক শিল্প থেকে এর প্রভাব পেয়েছিল। এখন চৌদ্দটি চিত্রকর্ম ছিল নল দময়ন্তী, রাধা এবং মাধব, ভরত এবং সিংহ শাবক, অর্জুন এবং সুভদ্রা, বিশ্বামিত্র এবং মেনকা, শান্তনু এবং গঙ্গা, কংস মায়া, দ্রৌপদীর ডিরোবিং, হরিশচন্দ্র এবং তারামতি, বিউটি অ্যান্ড দ্য বিস্ট, সীতা স্বয়ম্বরম, কৃষ্ণ, দেবকী ও কৃষ্ণ, শান্তনু ও সত্যবতীর জন্ম। তাদের সকলের জন্য শিল্পীর দ্বারা নেওয়া ফি ছিল 50,000 রুপি (একটি ভাল আকারের হীরার মূল্য সেই সময়ে 1000 টাকা)।

এই কমিশনের জন্য রবিকে পোশাক, আচ্ছাদন এবং স্থানীয় সাজসজ্জা অধ্যয়নের জন্য ভারতজুড়ে ভ্রমণ করতে হয়েছিল। যেহেতু শিল্পী যতটা সম্ভব বাস্তবতার সাথে তার চিত্রগুলি রচনা করতে চেয়েছিলেন, তাই তিনি নিশ্চিত করেছিলেন যে দর্শকরা কখনই বিদেশী উপাদানগুলি দেখতে পাবে না। তার ভাই, রাজা রাজা ভার্মার সাথে, তিনি গল্পের প্লট নির্ধারণ এবং চরিত্রগুলিকে উন্নত করতে অসংখ্য সংস্কৃত গ্রন্থ এবং মহাকাব্য পড়েছিলেন। এটা জানা গেছে যে "শকুন্তলার" মডেল ছিলেন প্রেসের ফোরম্যানের আত্মীয় রাজীবাই মূলগাভকর।

শকুন্তলার বিষয়বস্তু

1. শকুন্তলা  :

রবি শকুন্তলাকে জাফরান পোশাকে জুঁই ফুলের অলংকরণ হিসাবে চিত্রিত করেছিলেন। কালিদাস তাঁর নাটকে ঠিক তেমনই এক শকুন্তলাকে চিত্রিত করেছেন, যা শিল্পী তাঁর ক্যানভাসে আয়ত্ত করেছেন। তার একটি হাত তার বন্ধুর পিঠে এবং আরেকটি তার পায়ের কাঁটা সরানোর জন্য, সে একেবারে স্বাভাবিক দৃষ্টিতে তার স্বামীর দিকে তাকায়। তার উপস্থিতির এক ঝলকানের বিশুদ্ধতম ইচ্ছার সাথে তার অভিব্যক্তিগুলি শান্ত এবং ঐশ্বরিক। তার মুখে তীক্ষ্ণ আলো পড়ছে। শাড়ির স্বচ্ছ ভাঁজগুলি একজন মহিলার শরীরের যে কমনীয় ও আসল রূপ তা বজায় রেখেছে।

2. একটি ফুলের ঝুড়ি হতে মহিলা  :

ভদ্রমহিলার একটি ঝুড়িতে ফুল রয়েছে, তার বন্ধুর সাথে কথা বলার সময় তার মুখ প্রকাশ করা হয়নি। তিনি একটি ব্লাউজ এবং ধুতি পরিহিত যা সাধারণত গ্রামের মেয়েরা পরিধান করে, যা সেই সময়ের ভারতীয় পোশাককে তুলে ধরেছে। তার চুলের খোঁপা, গোলাপী এবং হালকা ধূসর রঙের পোশাক , রচনাটিকে আরও উষ্ণ এবং সুন্দর করে তোলে।

3. অন্য মহিলা  :

ভদ্রমহিলা তার বন্ধুর মতো তার পোশাকের সাথে একটি জলের পাত্র ধরে রেখেছেন। সে হাসে যখন সে তার অন্য বন্ধুর সাথে শকুন্তলাকে জ্বালাতন করে।

তারা সবাই একটি বনের মধ্যে দাঁড়িয়ে আছে যখন হ্রদের প্রাকৃতিক সৌন্দর্য, পাহাড় এবং লতাপাতা এবং গাছগুলি স্থানটি পূরণ করে।

শকুন্তলা পেইন্টিং-এর বিশ্লেষণ

1. লাইন  :

"শকুন্তলা" চিত্রকলায় দেখতে পাওয়া যায়, স্বতন্ত্র এবং সূক্ষ্ম কনট্যুর রেখাগুলি প্রকৃতির চিত্র এবং বস্তুর মধ্যে প্রতিটি উপাদানের পরিচয়কে আলাদা করে। দাঁড়িয়ে থাকা চিত্র, একটি লাঠি এবং একটি গাছের গুঁড়ির আকারে উল্লম্ব রেখাগুলি দৃশ্যের জোরালো স্থিতিশীলতা স্থাপন করে। তদুপরি, শকুন্তলার দৃষ্টি একটি সরল অনুভূমিক রেখার সাথে আসে, যা দুষ্মন্তের সাথে তার সম্পর্কের প্রশান্তি নির্দেশ করে।

2. আলোক-প্রপাত এবং মান  :

চিত্রটি চিত্র এবং প্রকৃতির বেশিরভাগ অংশের উজ্জ্বল আলোকসজ্জার সাথে তীব্র বৈপরীত্য তৈরি করে। এটি মৃদু গ্রেডেশনের মাধ্যমে যা সমগ্র রচনাকে এক জায়গায় একত্রিত করে। উদাহরণস্বরূপ, কিছু দূরত্বে মাটিতে তীক্ষ্ণ সূর্যালোক রয়েছে, যেখানে পরিসংখ্যানের কয়েকটি অংশ আলো এবং ছায়ায় জ্বলছে।

3. রঙ বিশ্লেষণ  :

শকুন্তলা সবুজ উষ্ণ রঙে পূর্ণ, একটি আমন্ত্রণমূলক পরিবেশের ইঙ্গিত দেয়। রঙের ব্যবহারে রয়েছে সমৃদ্ধ প্রকাশভঙ্গি, যেমন শকুন্তলার জাফরান শাড়ি, লাঠি নিয়ে হাঁটতে থাকা বৃদ্ধের সাদা চাদর।

উপসংহার

"শকুন্তলা" সম্পর্কিত, অসংখ্য উপাদান এবং উপাদান এর উৎকর্ষে অবদান রাখে। এবং সবচেয়ে গুরুত্বপূর্ণ বিষয় ছিল যে আমরা এই অসাধারণ রচনাটির মাধ্যমে মহিলাদের সামাজিক পোশাক এবং শর্তগুলি জানলাম। কালিদাসের সংস্কৃত নাটকটি প্রজন্মের দ্বারা বোঝার জন্য কোথাও কঠোর ছিল, তবে এই চিত্রটি প্রেম এবং সৌন্দর্যের স্পষ্টতা দেয় যা আমরা এক ঝলক দিয়ে অনুভব করতে পারি।

তথ্যসূত্র : Wikipedia, Google.

"(ছবি Google থেকে সংগৃহীত)

পড়ার জন্য অসংখ্য ধন্যবাদ।

শিল্প ইতিহাসের আরও নতুন নতুন বিষয় নিয়ে আরও লেখা এই ব্লগ নিয়মিত পাবেন। তাই নিয়মিত আমাদের ব্লগ  Follow করুন।

চিত্রকথার ইতিহাস || পর্ব - ২ ||

 

মোনালিসা, শিল্পী লিওনার্দো ভিঞ্চি

মোনালিসা, যাকে ফ্রান্সেসকো দেল জিওকোন্ডো, ইতালিয়ান লা জিওকোন্ডা, বা ফরাসি লা জোকোন্ডের স্ত্রী লিসা ঘেরার্ডিনির প্রতিকৃতিও বলা হয়, লিওনার্দো দা ভিঞ্চির একটি পপলার কাঠের প্যানেলে তেলরং-এ আঁকা, সম্ভবত বিশ্বের সবচেয়ে বিখ্যাত চিত্রকর্ম। এটি 1503 থেকে 1519 সালের মধ্যে আঁকা হয়েছিল, যখন লিওনার্দো ফ্লোরেন্সে বাস করছিলেন, এবং এটি এখন প্যারিসের ল্যুভর মিউজিয়ামে আছে, যেখানে এটি 21 শতকে তীর্থযাত্রার একটি বস্তু ছিল। মোনালিসার রহস্যময় হাসি এবং তার অপ্রমাণিত পরিচয় পেইন্টিংটিকে চলমান তদন্ত এবং মুগ্ধতার উৎস করে তুলেছে।

পেইন্টিংটি একজন মহিলাকে অর্ধ-শরীরের প্রতিকৃতিতে উপস্থাপন করে, যার পটভূমিতে একটি দূরবর্তী ল্যান্ডস্কেপ রয়েছে। তবুও একটি আপাতদৃষ্টিতে আদর্শ এই রচনার সাধারণ বর্ণনা লিওনার্দোর কৃতিত্বের সামান্যই ধারণা দেয়। তিন- চতুর্থাংশ দৃশ্য, যেখানে মডেল মোনালিসার অবস্থান বেশিরভাগই দর্শকের দিকে মোড় নেয়, ইতালীয় শিল্পে ব্যবহৃত স্ট্যান্ডার্ড প্রোফাইল ভঙ্গি থেকে ভেঙ্গে যায় এবং দ্রুত সমস্ত প্রতিকৃতির জন্য সম্মেলন হয়ে ওঠে, যেটি 21 শতকে ভালো ভাবে ব্যবহৃত হয়েছিল। বিষয়ের নরম ভাস্কর্যের মুখটি লিওনার্দোর স্ফুমাটো (সূক্ষ্ম ছায়ার ব্যবহার) দক্ষতার সাথে পরিচালনা করে এবং ত্বকের নীচে পেশী এবং মাথার খুলি সম্পর্কে তার উপলব্ধি প্রকাশ করে। সূক্ষ্মভাবে আঁকা ঘোমটা, সূক্ষ্মভাবে তৈরি করা বেণী এবং ভাঁজ করা কাপড়ের যত্ন সহকারে সূক্ষ্ম অনুবাদ লিওনার্দোর অধ্যয়ন করা পর্যবেক্ষণ এবং অক্ষয় ধৈর্য প্রদর্শন করে। আবার, সিটারের চুল এবং পোশাকের সংবেদনশীল বক্ররেখাগুলি তার পিছনের উপত্যকা এবং নদীগুলির আকারে প্রতিধ্বনিত হয়। পেইন্টিংটিতে অর্জিত সামগ্রিক সম্প্রীতির অনুভূতি - বিশেষত মডেলের ক্ষীণ হাসিতে স্পষ্ট - মানবতা এবং প্রকৃতিকে সংযুক্তকারী মহাজাগতিক সংযোগ সম্পর্কে লিওনার্দোর ধারণাকে প্রতিফলিত করে, এই চিত্রটিকে লিওনার্দোর দৃষ্টিভঙ্গির একটি স্থায়ী রেকর্ড করে তোলে। মডেল এবং ল্যান্ডস্কেপের সূক্ষ্ম সংশ্লেষণে, মোনালিসা, ভবিষ্যত সমস্ত প্রতিকৃতির জন্য মান নির্ধারণ করেছে।

পোর্ট্রেটের সিটারের পরিচয় নিয়ে অনেক জল্পনা ও বিতর্ক হয়েছে। পণ্ডিত এবং ঐতিহাসিকগণ অসংখ্য ব্যাখ্যা করেছেন, যার মধ্যে তিনি হলেন লিসা ডেল জিওকোন্ডো (নি ঘেরার্ডিনি), ফ্লোরেন্টাইন বণিক ফ্রান্সেস্কো ডি বার্তোলোমিও দেল জিওকোন্ডোর স্ত্রী, তাই এই পেইন্টিং-এর বিকল্প নাম হল, লা জিওকোন্ডা। এই পরিচয়টি প্রথম প্রস্তাব করেছিলেন 1550 সালে শিল্পী জীবনীকার জর্জিও ভাসারি। আরেকটি তত্ত্ব ছিল যে মডেলটি লিওনার্দোর মা ক্যাটেরিনা হতে পারে। এই ব্যাখ্যাটি অন্যদের মধ্যে, সিগমুন্ড ফ্রয়েড দ্বারা প্রকাশ করা হয়েছিল, যিনি মনে করেছিলেন যে মোনালিসার রহস্যময় হাসিটি ক্যাটেরিনার হাসির স্মৃতি থেকে - সম্ভবত অচেতন - থেকে উদ্ভূত হয়েছিল। তৃতীয় একটি পরামর্শ ছিল যে চিত্রকর্মটি প্রকৃতপক্ষে লিওনার্দোর স্ব-প্রতিকৃতি ছিল, মডেল এবং শিল্পীর মুখের বৈশিষ্ট্যগুলির মধ্যে সাদৃশ্য রয়েছে। কিছু পণ্ডিত পরামর্শ দিয়েছিলেন যে নিজেকে একজন মহিলা হিসাবে ছদ্মবেশ ধারণ করা ছিল শিল্পীর ধাঁধা। মডেলের পরিচয় নিশ্চিতভাবে প্রমাণিত হয়নি। 21 শতকে লিসা ডেল জিওকোন্ডোর দেহাবশেষ খোঁজার মাধ্যমে তার ডি এন এ পরীক্ষা করার এবং তার মুখের একটি চিত্র পুনরায় তৈরি করার মাধ্যমে বিতর্কের নিষ্পত্তি করার অসংখ্য প্রচেষ্টা নিষ্পত্তিযোগ্য ছিল।

ইতিহাস মোনালিসা

লিওনার্দো দা ভিঞ্চি 1503 সালের দিকে মোনালিসা আঁকতে শুরু করেছিলেন, এবং এটি তার স্টুডিওতে ছিল যখন তিনি 1519 সালে মারা যান। তিনি সম্ভবত বেশ কয়েক বছর ধরে মাঝে মাঝে এটিতে কাজ করেছিলেন, বিভিন্ন সময়ে পাতলা তেল গ্লেজের একাধিক স্তর যুক্ত করেছিলেন। পেইন্টে ছোট ছোট ফাটল, যাকে ক্র্যাকুলিউর বলা হয়, পুরো টুকরো জুড়ে দেখা যায়, তবে সেগুলি হাতে আরও সূক্ষ্ম, যেখানে পাতলা গ্লেজগুলি লিওনার্দোর শেষ সময়ের সাথে মিলে যায়।

ফরাসি রাজা ফ্রান্সিস প্রথম, যার দরবারে লিওনার্দো তার জীবনের শেষ বছরগুলি কাটিয়েছিলেন, শিল্পীর মৃত্যুর পরে কাজটি অধিগ্রহণ করেন এবং এটি রাজকীয় সংগ্রহের অংশ হয়ে ওঠে। শতাব্দীর পর শতাব্দী ধরে প্রতিকৃতিটি ফরাসি প্রাসাদে নির্জন ছিল, যতক্ষণ না বিদ্রোহীরা ফরাসি বিপ্লবের (১৭৮৭-৯৯) সময় রাজকীয় সংগ্রহকে জনগণের সম্পত্তি বলে দাবি করে। নেপোলিয়নের শয়নকক্ষে ঝুলে থাকার পর মোনালিসা 19 শতকের শুরুতে ল্যুভর মিউজিয়ামে স্থাপন করা হয়েছিল।

1911 সালে পেইন্টিংটি চুরি হয়ে গিয়েছিল, যা একটি অবিলম্বে মিডিয়া সংবেদন সৃষ্টি করেছিল। লোকে লুভরে ছুটে আসে সেই ফাঁকা জায়গাটি দেখতে যেখানে পেইন্টিংটি একবার ঝুলানো হয়েছিল, যাদুঘরের চিত্রকর্মের পরিচালক পদত্যাগ করেছিলেন এবং কবি গুইলাম অ্যাপোলিনায়ার এবং এমনকি শিল্পী পাবলো পিকাসোকে সন্দেহভাজন হিসাবে গ্রেপ্তার করা হয়েছিল। দুই বছর পর ফ্লোরেন্সের একজন আর্ট ডিলার স্থানীয় কর্তৃপক্ষকে সতর্ক করেছিলেন যে একজন ব্যক্তি তাকে পেইন্টিংটি বিক্রি করার চেষ্টা করেছে। পুলিশ একটি ট্রাঙ্কের তলায় লুকিয়ে রাখা প্রতিকৃতিটি খুঁজে পেয়েছে, যা একজন ইতালীয় অভিবাসী ভিনসেঞ্জো পেরুগিয়ার, যিনি মোনালিসা সহ বিভিন্ন চিত্রকর্মে ল্যুভর ফিটিং গ্লাসে সংক্ষিপ্তভাবে কাজ করেছিলেন। তিনি এবং সম্ভবত অন্য দুই কর্মী রাতারাতি একটি কক্ষে লুকিয়ে ছিলেন, 21শে আগস্ট, 1911-এর সকালে দেয়াল থেকে প্রতিকৃতিটি নিয়েছিলেন এবং সন্দেহ ছাড়াই পালিয়ে যান। পেরুগিয়াকে গ্রেফতার করা হয়, বিচার করা হয় এবং কারারুদ্ধ করা হয়, যখন মোনালিসা ইতালি ভ্রমণ করে, ফ্রান্সে বিজয়ী হিসাবে ফেরার পূর্বে।

দ্বিতীয় বিশ্বযুদ্ধের সময় মোনালিসা, ল্যুভরের সবচেয়ে বিপন্ন শিল্পকর্ম হিসেবে চিহ্নিত হয়, যা ফ্রান্সের গ্রামাঞ্চলের বিভিন্ন স্থানে সরিয়ে নেওয়া হয়েছিল, পরে শান্তি ঘোষণার পর 1945 সালে এটি যাদুঘরে ফিরে এসেছিল। এটি পরবর্তীতে 1963 সালে মার্কিন যুক্তরাষ্ট্রে ভ্রমণ করে, নিউ ইয়র্ক সিটির মেট্রোপলিটান মিউজিয়াম অফ আর্ট এবং ওয়াশিংটন, ডি.সি.-তে ন্যাশনাল গ্যালারি অফ আর্ট-এ ছয় সপ্তাহের থাকার সময় প্রতিদিন প্রায় 40,000 লোককে আকর্ষণ করে। এটি 1974 সালে টোকিও এবং মস্কোতেও ভ্রমণ করেছিল।

"(ছবি Google থেকে সংগৃহীত)

পড়ার জন্য অসংখ্য ধন্যবাদ।

শিল্প ইতিহাসের আরও নতুন নতুন বিষয় নিয়ে আরও লেখা এই ব্লগ নিয়মিত পাবেন। তাই নিয়মিত আমাদের ব্লগ Follow করুন।

চিত্রকথার ইতিহাস || পর্ব - ১ ||

 

 

The Starry Night (দ্য স্টারি নাইট) - শিল্পী : ভ্যানগঘ, তৈলচিত্র, 1889

দ্য স্টারি নাইট, একটি মাঝারি বিমূর্ত ল্যান্ডস্কেপ পেইন্টিং (1889) একটি ছোট পাহাড়ি গ্রামের উপর একটি অভিব্যক্তিপূর্ণ রাতের আকাশের চিত্র, ডাচ শিল্পী ভিনসেন্ট ভ্যানগঘের সবচেয়ে বিখ্যাত কাজগুলির মধ্যে একটি।

 

 অয়েল-অন-ক্যানভাস পেইন্টিং-এ বর্ণময় নীল ঘূর্ণি, একটি উজ্জ্বল হলুদ অর্ধচন্দ্র, এবং বিকিরণকারী কক্ষপথ হিসাবে উপস্থাপিত নক্ষত্রগুলির সাথে একটি রাতের আকাশের আধিপত্য রয়েছে। এক বা দুটি সাইপ্রাস গাছ, প্রায়শই শিখার মতো, বাম দিকে অগ্রভাগের উপর টাওয়ার, তাদের অন্ধকার শাখাগুলি কুঁচকে যায় এবং আকাশের গতিবিধিতে দুলতে থাকে যা তারা আংশিকভাবে অস্পষ্ট।  যেন এই সমস্তটাই একটা অ্যানিমেশনের মত, ক্যানভাসের নীচের ডানদিকে দূরত্বে একটি কাঠামোবদ্ধ গ্রাম বসে আছে। সোজা নিয়ন্ত্রিত রেখাগুলি ছোট কুটির এবং একটি গির্জার সরু স্টিপল তৈরি করে, যা ঘূর্ণায়মান নীল পাহাড়ের বিরুদ্ধে একটি আলোকবর্তিকা হিসাবে রয়েছে।  বাড়ির উজ্জ্বল হলুদ স্কোয়ারগুলি শান্তিপূর্ণ ঘরগুলির স্বাগত জানাই, পেইন্টিংয়ের অশান্তির মধ্যে একটি শান্ত কোণ তৈরি করে।

 

 ভ্যানগঘ ফ্রান্সের সেন্ট-রেমি-ডি-প্রোভেন্সের কাছে সেন্ট-পল-ডি-মৌসোলে আশ্রয়ে 12 মাস থাকার সময় দ্য স্টারি নাইট এঁকেছিলেন। একজন শিল্পী হিসেবে তিনি পর্যবেক্ষণ থেকে কাজ করতে পছন্দ করতেন।  ভ্যানগঘ তাকে ঘিরে থাকা বিষয়গুলির মধ্যেই সীমাবদ্ধ ছিলেন—তার নিজের উপমা, তার স্টুডিওর জানালার বাইরের দৃশ্য এবং আশেপাশের গ্রামাঞ্চল।

 

 যদিও ভ্যানগঘের বিষয়গুলি সীমাবদ্ধ ছিল, তার শৈলী সীমাবদ্ধ ছিল না। তিনি বিভিন্ন আবহাওয়ার চিত্র এবং আলোর পরিবর্তন ইত্যাদি সাথে অনেক পরীক্ষা নিরীক্ষা করেছিলেন তার চিত্রকর্মের জন্য, প্রায়শই গ্রীষ্মের উজ্জ্বল সূর্য বা অন্ধকার ঝড়ের মেঘের নীচে কাছাকাছি গমের ক্ষেতগুলিকে আঁকতেন। ভ্যানগঘ বিশেষ করে রাতের ল্যান্ডস্কেপ আঁকার চ্যালেঞ্জ নিয়ে ব্যস্ত ছিলেন এবং এটি সম্পর্কে কেবল তার ভাই থিওকেই নয়, একজন সহ চিত্রশিল্পী এমিল বার্নার্ড এবং তার বোন উইলেমিয়েনকেও লিখেছিলেন। পরবর্তীতে সম্বোধন করা একটি চিঠিতে, তিনি অভিযোগ করেছেন যে রাতটি দিনের চেয়ে বেশি রঙিন ছিল এবং তারাগুলি কালোতে সাদা বিন্দুর চেয়ে বেশি, পরিবর্তে হলুদ, গোলাপী বা সবুজ দেখায়।  ভ্যানগঘ সেন্ট-রেমিতে আসার সময়, তিনি ইতিমধ্যেই কয়েকটি রাতের দৃশ্য এঁকেছিলেন, যার মধ্যে রয়েছে দ্য স্টারি নাইট (রোন, Rhône) (1888)। এই কাজটিতে, তারাগুলি একটি নীল-কালো আকাশের বিপরীতে হলুদের বিস্ফোরণে উপস্থিত হয় এবং নীচের জ্বলন্ত গ্যাস বাতি এবং রোন নদীতে তাদের প্রতিফলনের সাথে প্রতিযোগিতা করে।

 

 অ্যাসাইলামে, ভ্যানগঘ তার বাঁধা বেডরুমের জানালা থেকে রাতের আকাশ দেখেছিলেন এবং 1889 সালের গ্রীষ্মে খুব ভোরে সকালের তারার একটি দুর্দান্ত দৃশ্য বর্ণনা করে থিওকে একটি চিঠি লিখেছিলেন। কারণ তাকে তার বেডরুমে ছবি আঁকার অনুমতি দেওয়া হয়নি,  তিনি স্মৃতি বা সম্ভবত অঙ্কন থেকে দৃশ্যটি এঁকেছেন এবং তার কল্পনাশক্তি ব্যবহার করেছেন সেই ছোট্ট গ্রামের যা বাস্তবে নেই। 1886-88 সালে প্যারিসে থাকার সময় তিনি যে অভিব্যক্তিমূলক শৈলী গড়ে তুলেছিলেন, সেটিকে কাজে লাগিয়ে তিনি টিউব থেকে সরাসরি ক্যানভাসে রং প্রয়োগ করেছিলেন, ঘন ইম্পাস্টো এবং তীব্র রঙ তৈরি করেছিলেন। তার কল্পনা থেকে কাজ করার ব্যাপারে দ্বিধাবিভক্ত, ভ্যানগঘ শেষ পর্যন্ত সমাপ্ত স্টারি নাইটকে একটি ব্যর্থতা হিসেবে গণ্য করেছিলেন এবং থিও স্পষ্টভাবে ইঙ্গিত করেছিলেন যে চিত্রকর্মটি পদার্থের চেয়ে শৈলীতে বেশি প্রাধান্য পায়।

 

 পেইন্টিংটি ভ্যানগঘের শেষের কাজগুলির মধ্যে একটি ছিল, কারণ এর পরে তিনি আত্মহত্যা করেছিলেন। তার শৈল্পিক কর্মজীবন সংক্ষিপ্ত ছিল, মাত্র 10 বছরের কিন্তু যা ছিল খুবই কার্যক্ষম।  তিনি তার ভাইয়ের জন্য 800 টিরও বেশি পেইন্টিং এবং 700 থেকে 850 টি ড্রয়িং রেখে গিয়েছিলেন।  নিউইয়র্ক সিটির মিউজিয়াম অফ মডার্ন আর্ট (MoMA) যখন 1941 সালে একটি ব্যক্তিগত সংগ্রাহকের কাছ থেকে দ্য স্টারি নাইট কিনেছিল, তখন এটি সুপরিচিত ছিল না, কিন্তু তারপর থেকে এটি ভ্যানগঘের অন্যতম বিখ্যাত হয়ে উঠেছে।

 

(ছবি Google থেকে সংগৃহীত)

 

পড়ার জন্য অসংখ্য ধন্যবাদ।

 

শিল্প ইতিহাসের আরও নতুন নতুন বিষয় নিয়ে আরও লেখা এই ব্লগ নিয়মিত পাবেন। তাই নিয়মিত আমাদের ব্লগ Follow করুন।

ভারতীয় শিল্প ও তার প্রাণবন্ত ইতিহাস || পর্ব - ৭ || (শেষ পর্ব)

 

ভাস্কর্য

ভাস্কর্য ভারতে শৈল্পিক অভিব্যক্তির জন্য একটি অন্যতম শ্রেষ্ঠ মাধ্যম হয়ে উঠেছে। এটি প্রাথমিকভাবে ধর্মীয় শিল্পের একটি রূপ। বিল্ডিংগুলি প্রচুরভাবে সজ্জিত ছিল, এবং যেখানে বিষয়বস্তু হিসাবে মূলত হিন্দু, বৌদ্ধ এবং জৈন ধর্মের নীতিগুলিকে চিত্রিত করার জন্য ব্যবহৃত বিমূর্ত মানব রূপ নিয়ে গঠিত করা হয়। শক্তি, কালী এবং ব্রহ্মার মতো নারী দেবতাদের প্রায়ই ভারতীয় ভাস্কর্যে চিত্রিত করা হয়েছে।

ভারতীয় ভাস্কর্য সিন্ধু উপত্যকা থেকে বিস্তৃত, যেখানে পোড়ামাটির মূর্তিগুলি উৎপাদিত প্রথম ভাস্কর্যগুলির মধ্যে কয়েকটি ছিল। খ্রিস্টপূর্ব ৪র্থ থেকে ২য় শতক পর্যন্ত বিস্তৃত মৌর্য রাজবংশ জুড়ে, বড় বড় পাথরের স্তম্ভগুলি চৌরাস্তা এবং গুরুত্বপূর্ণ স্থানে উপস্থাপিত করা হয়। এবং সেগুলির প্রায়ই পদ্ম-আকৃতির শীর্ষ এবং সিংহের মূর্তি ছিল যা সাম্রাজ্য শাসনের প্রতীক ছিল। এই সময়ের মধ্যে দেবতাদের অনেক বড় পাথরের মূর্তি তৈরি করা হয়েছিল, তারপরে ছোট সংস্করণগুলি বৌদ্ধ স্মৃতিস্তম্ভগুলিতে স্থাপন করা হয়েছিল। স্তূপ, কবরের ঢিবি, শোভাময়ভাবে খোদাই করা গেটওয়ে দ্বারা বেষ্টিত ছিল যাতে ধর্মীয় চিহ্নগুলির একটি বিন্যাস রয়েছে। আরও পরিপক্ক ভারতীয় রূপক ভাস্কর্য খ্রিস্টপূর্ব ২য় এবং ১ম শতাব্দীতে আবির্ভূত হতে শুরু করে।

পরবর্তী শতাব্দীতে, শৈলী এবং ঐতিহ্যের বিস্তৃত পরিসর পরবর্তীকালে বিভিন্ন অঞ্চল জুড়ে বিকাশ লাভ করে। সবচেয়ে বিশিষ্ট স্থাপনাগুলির মধ্যে একটি হল এলিফ্যান্ট গুহা, প্রধানত হিন্দু দেবতা শিবের উদ্দেশ্যে নিবেদিত গুহা মন্দিরগুলির একটি সংগ্রহ, যা খ্রিস্টীয় ৫ম থেকে ৬ষ্ঠ শতকের মাঝামাঝি সময়ে নির্মিত হয়েছিল। ৯ম এবং ১০ম শতাব্দীতে, ভারতীয় ভাস্কর্য একটি ফর্মে পৌঁছেছিল যা আজকের তুলনায় তুলনামূলকভাবে সামান্য পরিবর্তিত হয়েছিল এবং প্রাথমিকভাবে স্থাপত্য সজ্জার অংশ হিসাবে ব্যবহৃত হয়েছিল।

২০ শতকের গোড়ার দিকে, ভারতীয় ভাস্কর্য পাশ্চাত্য একাডেমিক শিল্প ঐতিহ্যের সাথে খাপ খাইয়ে নেয়, এবং শৈলীগুলি বাস্তববাদী শিল্পীদের দ্বারা ব্যাপকভাবে প্রভাবিত হয় যারা ব্রিটিশ আর্ট স্কুলে ধর্মনিরপেক্ষ বিষয়গুলিতে কাজ করেছিলেন। পুরাণ এবং দেবতাদের চিত্রিত প্রাচীন এবং ঐতিহ্যবাহী ফর্ম থেকে একটি উল্লেখযোগ্য প্রস্থান দেখা যায়। 1940 এবং 1950-এর দশকে, চিত্রশিল্পী এবং ভাস্কর রামকিঙ্কর বাইজ কংক্রিট, নুড়ি এবং সিমেন্টের মতো অপ্রচলিত উপকরণগুলির সাথে পরীক্ষা করে পাশ্চাত্য শিল্প এবং ঐতিহ্যগত ভারতীয় ফর্ম উভয়কে একত্রিত করার জন্য কাজ করেছিলেন। এই পরীক্ষাটি সমসাময়িক ভারতীয় ভাস্কর্যের অন্যতম সৃষ্টি, যা নতুন পদ্ধতির অন্বেষণ করার সময় ঐতিহ্যগত কৌশল এবং বিষয়বস্তু থেকে সমানভাবে ধার নেয়।

-:উল্লেখযোগ্য ভারতীয় ভাস্কর্য :-

মহেঞ্জোদারোর ডান্সিং গার্ল (Dancing Girl)

এই ব্রোঞ্জ মূর্তিটি প্রায় 4,500 বছরের পুরানো বলে মনে করা হয়। সূক্ষ্ম ধাতু দিয়ে তৈরি, এটি একটি অল্প বয়স্ক মেয়েকে তার বাহুতে চুড়ির আধিক্য সহ চিত্রিত করেছে, রাজস্থানের একটি সম্প্রদায় বানজারার মহিলাদের মতো।

 

অশোক স্তম্ভ

৩য় শতাব্দীতে মৌর্য সম্রাট অশোক দ্বারা নির্মিত, কলামের এই সিরিজটি সারা ভারতে ছড়িয়ে ছিটিয়ে রয়েছে। সবচেয়ে বিখ্যাত স্তম্ভ, সারনাথের সিংহ রাজধানী, চারটি সিংহ তাদের পিছনের পায়ে তাদের পিঠ স্পর্শ করে। এটি 1950 সালে ভারতের জাতীয় প্রতীক হিসাবে গৃহীত হয়েছিল।

অজন্তা গুহা

মহারাষ্ট্র অঞ্চলে অবস্থিত, শিলা-কাটা বৌদ্ধ গুহাগুলির এই গোষ্ঠীতে বিভিন্ন ধরনের গুহাচিত্র এবং ভাস্কর্য রয়েছে। ২য় শতাব্দীতে নির্মিত, এগুলিকে মূলত ভারতের শিল্প ও স্থাপত্যের সেরা জীবিত নমুনা হিসাবে বিবেচনা করা হয়।

 

প্রাগৈতিহাসিক শিলা খোদাই থেকে শুরু করে প্রথাগত শৈলীর সমসাময়িক ব্যাখ্যা পর্যন্ত, ভারতীয় এবং দক্ষিণ এশীয় শিল্প শৈল্পিক এবং সাংস্কৃতিক প্রভাবের বিস্তৃতি প্রদর্শন করে চলেছে যা ভারতীয় শিল্পের ইতিহাসে এর নান্দনিকতাকে অবহিত করেছে এবং আকার দিয়েছে। শিল্পের ঐতিহ্যগত কাজগুলি ধর্মীয় মোটিফ এবং পৌরাণিক চিত্রনাট্য প্রদর্শন করে, সমসাময়িক কাজগুলি জাতির সাংস্কৃতিক এবং আদর্শিক বৈচিত্র্যের সাথে মিলন সৃষ্টি করেছে।

(Written by Bachchu Chanda, Master of Fine Art, Kolkata)

(এই ব্লগের সমস্ত ছবি Google থেকে সংগৃহীত

এটি "ভারতীয় শিল্প ও তার প্রাণবন্ত ইতিহাস" এর শেষ পর্ব, কিন্তু শিল্প ইতিহাসের আরও নতুন নতুন বিষয় নিয়ে আরও ব্লগ নিয়মিত পাবেন। তাই নিয়মিত আমাদের ব্লগ Follow করুন।

ভারতীয় শিল্প ও তার প্রাণবন্ত ইতিহাস || পর্ব - ৬ ||

স্থাপত্য

অনেকটা পেইন্টিংয়ের মতো, ভারতীয় স্থাপত্য বছরের পর বছর ধরে বিভিন্ন শৈলী এবং ফর্ম নিয়ে এসেছে। এই কাঠামোগুলির মধ্যে অনেকগুলি বিশ্বব্যাপী বিখ্যাত হয়ে উঠেছে, যেমন তাজমহল এবং দক্ষিণ ভারতীয় মন্দির। সময়ের সাথে সাথে স্থাপত্য শৈলী পরিবর্তিত হয়েছে এবং আধুনিক কাঠামো ভারতের বৈশ্বিক আলোচনার ফলে বিভিন্ন দেশে এর প্রভাব প্রতিফলিত করে।

গুহা স্থাপত্য ছিল প্রাচীনতম রূপগুলির মধ্যে একটি, যা হিন্দু, জৈন এবং বৌদ্ধরা তৈরি করেছিল যারা পাথর থেকে পুরো মন্দির তৈরি করেছিল। সবচেয়ে বিখ্যাত শিলা-কাটা মন্দিরগুলির মধ্যে একটি হল কৈলাসা মন্দির, যা ভারতের মহারাষ্ট্রের ইলোরা গুহায় অবস্থিত এবং এটি এর আকার এবং ভাস্কর্য শৈলীর জন্য পরিচিত। খ্রিস্টপূর্ব পঞ্চম শতাব্দীর শুরুতে, বড়, মুক্ত-স্থায়ী মন্দিরগুলি আবির্ভূত হয়েছিল। ভারতীয় স্থাপত্যে প্রায়শই ধর্মীয় উপাদানগুলি অন্তর্ভুক্ত ছিল যেমন একটি বেদী এবং জ্ঞানার্জনের জন্য উপাসকদের আশ্রয়।

1193 সালে ঘরের মুহাম্মাদ দিল্লিকে মুসলিম রাজধানী করার পর 12 শতক জুড়ে, ইসলামী পৃষ্ঠপোষকদের জন্য উৎপাদিত স্থাপত্যের আবির্ভাব ঘটে। দিল্লি সুলতানী - যা 1206 সালে গঠিত হয়েছিল এবং 320 বছর ধরে ভারতীয় উপমহাদেশের বিশাল অংশে রাজত্ব করেছিল - এটি মধ্য এশিয়া থেকে আফগানিস্তান হয়ে এসেছিল এবং স্থাপত্যের একটি শৈলীকে উপস্থাপিত করে যা মূলত ইরানি প্রভাব থেকে উদ্ভূত।

মুসলিম নেতারা বৃহৎ স্থাপনা নির্মাণের জন্য স্থানীয় কারিগরদের নিয়োগ করতেন, যা পূর্বে ভারতে নির্মিত কাঠামোর চেয়ে অনেক আলাদা। এর মধ্যে মসজিদগুলি অন্তর্ভুক্ত ছিল, যেগুলি পবিত্র শহরগুলির দিকে অভিমুখী আচ্ছাদিত হলঘর দ্বারা বেষ্টিত খোলা উঠোন বৈশিষ্ট্যযুক্ত। বিভিন্ন ধরনের ইন্দো-ইসলামিক স্থাপত্য শৈলীর আবির্ভাব ঘটে, যা স্থানীয় ও ইসলামিক ঐতিহ্যকে একত্রিত করে এবং আধুনিক ভারতীয়, পাকিস্তানি এবং বাংলাদেশী স্থাপত্যকে প্রভাবিত করে।

আধুনিক ভারতীয় স্থাপত্য এখনও ক্রমবর্ধমান জনসংখ্যার চাহিদা মেটানোর সময় ঐতিহ্যকে সম্মান ও সমর্থন করে। 1947 সালে ভারত ব্রিটিশদের কাছ থেকে স্বাধীনতা লাভ না করা পর্যন্ত আধুনিক কাঠামোর আবির্ভাব ঘটেনি। সেই সময়ে, ভারতীয় পাঞ্জাব সরকার চণ্ডীগড় শহরের নগর পরিকল্পনার নেতৃত্ব দেওয়ার জন্য বিখ্যাত সুইস-ফরাসি স্থপতি এবং ডিজাইনার লে করবুসিয়ারকে কমিশন দিয়েছিল। এই প্রকল্পের সাথে ভারতীয় স্থাপত্যের পুনর্জন্মের প্রতি নতুন করে আগ্রহ জন্মায়।

উল্লেখযোগ্য ভারতীয় স্থাপত্য

লোহার স্তম্ভ (দি আয়রন পিলার), দিল্লি

চতুর্থ শতাব্দীতে নির্মিত এই স্তম্ভটিতে ব্রাহ্মী লিপিতে সংস্কৃত শিলালিপি রয়েছে যা বলে যে এটি হিন্দু দেবতা বিষ্ণুর সম্মানে তৈরি করা হয়েছিল। স্তম্ভটি ধাতুবিদ্যায় ভারতের দক্ষতা প্রদর্শন করে, বিজ্ঞানের একটি শাখা যা বিশেষ করে ধাতুর বৈশিষ্ট্য, উৎপাদন এবং পরিশোধনকে কেন্দ্র করে।

কোনার্ক সূর্য মন্দির, কোনার্ক, উড়িষ্যা

13 শতকে নির্মিত এই চিত্তাকর্ষক মন্দিরটি হিন্দু সূর্য দেবতা সূর্যকে উৎসর্গ করা হয়েছে। এটি বিশাল চাকা এবং ঘোড়া সহ 100 ফুট উঁচু রথের আকারে পাথর থেকে খোদাই করা হয়েছিল।

তাজমহল, আগ্রা, উত্তরপ্রদেশ

বিশ্বের সাতটি আশ্চর্যের একটি, এই সমাধিটি 17 শতকে মুঘল সম্রাট শাহজাহানের অধীনে নির্মিত হয়েছিল। স্থাপত্যের বিস্ময় হিন্দু এবং ইন্দো-ইসলামিক কৌশলগুলির সংমিশ্রণ বহন করে।

(এই ব্লগের সমস্ত ছবি Google থেকে সংগৃহীত)

ভারতীয় শিল্প ও তার প্রাণবন্ত ইতিহাস || পর্ব - ৫ ||

 

উল্লেখযোগ্য ভারতীয় চিত্রকর্ম

 

   রাজা রবি বর্মা, "শকুন্তলা," 1870

   এই মহাকাব্য চিত্রটি প্রাচীন ভারতের দুটি প্রধান সংস্কৃত মহাকাব্যের একটি মহাভারতের একটি গুরুত্বপূর্ণ চরিত্র শকুন্তলাকে চিত্রিত করেছে।

রবি বর্মা শকুন্তলাকে জাফরান পোশাকে জুঁই ফুলের অলংকরণ হিসাবে চিত্রিত করেছিলেন।  কালিদাস তাঁর নাটকে ঠিক তেমনই এক শকুন্তলাকে চিত্রিত করেছেন, যা শিল্পী তাঁর ক্যানভাসে আয়ত্ত করেছেন।ni  তার একটি হাত তার বন্ধুর পিঠে এবং আরেকটি তার পায়ের কাঁটা সরানোর জন্য, সে একেবারে স্বাভাবিক দৃষ্টিতে তার স্বামীর দিকে তাকায়।  তার অভিব্যক্তিগুলি শান্ত এবং ঐশ্বরিক, তার উপস্থিতির এক ঝলকানের বিশুদ্ধতম ইচ্ছার সাথে।  তার মুখে তীক্ষ্ণ আলো পড়ছে।  শাড়ির স্বচ্ছ ড্রেপারগুলি একজন মহিলাকে তার শরীরে আদর করার আসল রূপ বজায় রাখে।

   অবীন্দ্রনাথ ঠাকুর, "ভারত মাতা," 1905

   বেঙ্গল স্কুল অফ আর্ট-এর প্রতিষ্ঠাতা, ঠাকুরের চিত্রকর্মটি মহান এবং ঐতিহাসিক মূল্যের কারণ এতে একজন মহিলাকে চিত্রিত করা হয়েছে। তাকে জাফরান রঙের পোশাক পরা, একটি বই, ধানের শিল, একটি জাপ মালা বা পুঁতি এবং একটি সাদা কাপড় পরা চার-বাহু দেবী হিসাবে চিত্রিত করা হয়েছে।  তার মাথার চারপাশে একটি হললো এবং তার পায়ের নীচে সাদা পদ্ম ফুটেছে।  তাকে খুব শান্ত এবং শান্ত দেখাচ্ছে।  অবনীন্দ্রনাথ শক্তি এবং ভালবাসা, সমস্ত মায়ের গুণ উভয়ই দেখাতে চেয়েছিলেন এবং গান, উপন্যাস এবং সাম্প্রতিক উত্থানগুলি তাঁর মনে কাজ করে, এই অমর চিত্রটিতে তিনি তাঁর আবেগ প্রকাশ করেছিলেন।

 

   অমৃতা শের-গিল, "সেল্ফ পোর্ট্রেট," 1931

   অমৃতা শের-গিল ছিলেন ভারতের সবচেয়ে গুরুত্বপূর্ণ আধুনিক শিল্পীদের একজন।  এটি ছিল ক্রিস্টি'স দ্বারা অফার করা শিল্পীর প্রথম পেইন্টিং এবং বিশ্বব্যাপী নিলাম করা শিল্পীর মাত্র আটটি কাজের মধ্যে একটি।

অমৃতা শের-গিলকে প্রায়ই জনপ্রিয় মেক্সিকান চিত্রশিল্পী ফ্রিদা কাহলোর সাথে তুলনা করা হয়।  উভয় নারী শিল্পীই তাদের নিজ নিজ দেশের শিল্পে পুরুষদের আধিপত্যে একটি দাগ তৈরি করেছেন।  তাদের শিল্পের মাধ্যমে, তারা নারীদের, তাদের প্রজন্মের কণ্ঠস্বর হয়ে উঠেছে।  এই তুলনা এই "সেলফ-পোর্ট্রেট"-এ স্পষ্ট।  প্রতিকৃতিতে শিল্পীর অত্যন্ত ভারতীয় বৈশিষ্ট্যগুলি রয়েছে, আধুনিক কৌশলগুলির সাথে মিশ্রিত যা তার ইউরোপীয় লালন-পালন নিয়ে এসেছে।  এটি একটি প্রতিকৃতি যা ইউরোপীয় এবং ভারতীয় শৈলীর পাশাপাশি ভারতীয় শিল্পের ঐতিহ্যবাহী এবং নতুন চেহারাকে মিশ্রিত করে।

 

(এই ব্লগের সমস্ত ছবি Google থেকে সংগৃহীত

ভারতীয় শিল্প ও তার প্রাণবন্ত ইতিহাস || পর্ব - ৩ ||

ভারতীয় শিল্পের প্রকারভেদ : চিত্রকলা - ২ এবং ৩

 

 মিনিয়েচার পেইন্টিং :

 

 পাণ্ডুলিপির চিত্র হিসাবে তৈরি করা এই ছোট কাজগুলি প্রাথমিকভাবে তাল পাতায় পাওয়া গিয়েছিল, যা বণিকদের জন্য আঁকা হয়েছিল। যারা দশম এবং দ্বাদশ শতকে উপমহাদেশ জুড়ে তাদের ভ্রমণের সময় তাদের বহন করেছিল।  মুঘল ও রাজপুত দরবারে শিল্পের রূপটি ক্রমশ গুরুত্বপূর্ণ হয়ে ওঠে।  মিনিয়েচার পেইন্টিংগুলি অত্যন্ত পুঙ্খানুপুঙ্খ এবং জটিল ছিল, যা ফরাসি কৌশল থেকে আঁকা। এই চিত্রশৈলীর  থিমগুলি  ধর্মীয় এবং ঐতিহাসিক দৃশ্য থেকে শুরু করে দৈনন্দিন জীবনের চিত্রাঙ্কন পর্যন্ত।

 

পটচিত্রপেইন্টিং :

 

 এটি চিত্রকলার আরেকটি প্রাথমিক রূপ, এই শৈলীটি খ্রিস্টপূর্ব দ্বাদশ শতকের।  উড়িষ্যার কাছে, বঙ্গোপসাগরের একটি পূর্ব ভারতীয় রাজ্য। এই এলাকার ছোট গ্রামগুলি আজও এই শৈলীর চিত্রকর্ম তৈরি করে।  পটচিত্র আক্ষরিক অর্থে অনুবাদ করে "কাপড়ের ছবি", যথাযথভাবে এই ঐতিহ্যবাহী, কাপড়-ভিত্তিক স্ক্রল (গোটানো) পেইন্টিংকে বর্ণনা করে।  এর জটিল বিবরণ এবং পৌরাণিক আখ্যানের জন্য পরিচিত, চিত্রগুলিতে কৌণিক, গাঢ় রেখাগুলিকে স্পষ্ট এবং মুঘল-যুগের প্রভাব থেকে ব্যাপকভাবে অনুপ্রাণিত।

 

আমাদেরএই ব্লগটিকে নিয়মিত Follow করুন। এখানে আপনি ভারতীয় শিল্পের ইতিহাস সমন্ধে পর্যায়ক্রমে জানতে পারবেন।

 

ধন্যবাদ।।

 

ভারতীয় শিল্প ও তার প্রাণবন্ত ইতিহাস || পর্ব - ২ ||

 

ভারতীয় শিল্পের প্রকারভেদ : চিত্রকলা -১

 

 ভারতের প্রতিটি অঞ্চল তার নিজস্ব স্বতন্ত্র শিল্প শৈলী প্রদান করে।  ধর্মীয় মোটিফগুলি হল কিছু সাধারণ বিষয়বস্তু, যা প্রায়ই পৌরাণিক মানব ও প্রাণীর রূপের পাশাপাশি বিস্তৃত অলঙ্করণের বৈশিষ্ট্যযুক্ত।  ভারতের ইতিহাসকে বিস্তৃত করার জন্য তিনটি সর্বাধিক প্রচলিত শিল্প ফর্ম হল চিত্রকলা, স্থাপত্য এবং ভাস্কর্য।

 

 চিত্রকলা

 

 ভারতে আবির্ভূত চিত্রকলার প্রতিটি শৈলী পূর্ববর্তী প্রজন্মের ঐতিহ্য, রীতিনীতি এবং মতাদর্শের প্রতিনিধিত্ব করে।  যদিও প্রারম্ভিক চিত্রগুলি দেয়ালে বা ম্যুরাল হিসাবে বিদ্যমান ছিল, তবে শিল্প ফর্মটি শেষ পর্যন্ত আরও আধুনিক উপকরণ যেমন কাগজ, ক্যানভাস, কাপড় এবং অন্যান্য মাধ্যমে স্থানান্তরিত হয়েছিল।  নীচে কিছু জনপ্রিয় ভারতীয় লোকশিল্প চিত্রকলার শৈলী সম্বন্ধে আলোচনা করা হল।

 

 মধুবনী চিত্র

 

 ভারতের কিছু জনপ্রিয় চিত্র শৈলীর মধ্যে মধুবনী চিত্র অন্যতম।  এই শৈলীটি বিহারের মিথিলা অঞ্চলে প্রাচীর শিল্পের (Wall Art) একটি রূপ হিসাবে উদ্ভূত হয়েছিল, কিন্তু পাশ্চাত্য শিল্প বিশ্বের কাছে এটি ব্যাপকভাবে পরিচিত ছিল না যতক্ষণ না ব্রিটিশ সরকারী কর্মচারী এবং শিল্প ইতিহাসবিদ ডব্লিউ.জি আর্চার 1934 সালে ভারত ও নেপালের সীমান্তের কাছে একটি ভূমিকম্পে ক্ষয়ক্ষতি পরিদর্শন করার সময় তাদের প্রতিভায় হোঁচট খেয়েছিলেন।

 

 মধুবনী শৈলীটি সংস্কৃতি এবং ঐতিহ্যের একটি সরল এবং উদ্দীপক চিত্রায়ন দ্বারা উপস্থাপিত হয়, সাধারণত পৌরাণিক দৃশ্যগুলিকে চিত্রিত করে।  শিল্পীরা স্পন্দনশীল চিত্রগুলিকে প্যারড-ডাউন (Pared-down) প্যাটার্নের সাথে সংযুক্ত করে, প্রায়শই ফুল, পশু বা পাখির মোটিফ বহন করে।  ভার্নি, কাচনি, গেরু, গোডনা এবং তান্ত্রিক সহ বিভিন্ন শৈলীতে এই শিল্পের চর্চা করা হয়।

আমাদের এই ব্লগটিকে নিয়মিত Follow করুন। এখানে আপনি ভারতীয় শিল্পের ইতিহাস সমন্ধে পর্যায়ক্রমে জানতে পারবেন।

ধন্যবাদ।।

 

ভারতীয় শিল্প ও তার প্রাণবন্ত ইতিহাস || পর্ব - ১ ||

 

 

প্রারম্ভিক পেট্রোগ্লিফস্ (Petroglyphs) থেকে একটি সমৃদ্ধ সমসাময়িক শিল্প দৃশ্য পর্যন্ত, ভারতের প্রাণবন্ত শৈল্পিক উত্তরাধিকারই হল বিভিন্ন ধরনের সাংস্কৃতিক প্রভাবের ফলস্বরূপ।  এই অঞ্চলের শিল্পের বৈচিত্র্য - যার মধ্যে আধুনিক ভারত, বাংলাদেশ, এবং পাকিস্তান ও আফগানিস্তানের ঐতিহাসিক অঞ্চলে সৃষ্ট যা কিছু রয়েছে - সেগুলি বিভিন্ন সভ্যতার প্রতিনিধিত্বকারী জীবন্ত, স্বতন্ত্র এবং মন্ত্রমুগ্ধ শৈলীতে প্রতিফলিত হয়।

 

 কারণ বিশ্বের কিছু প্রধান ধর্ম যেমন বৌদ্ধ ধর্ম, হিন্দুধর্ম এবং ইসলাম হয় ভারতে শুরু হয়েছে বা বিকাশ লাভ করেছে, ভারতীয় শিল্পের বেশিরভাগই ধর্মীয় বা রাজনৈতিক বিষয়ের উপর ভিত্তি করে।  এখানে, আমরা ভারতীয় লোক চিত্রকলা, স্থাপত্য এবং ভাস্কর্যের ইতিহাস উন্মোচন করি এবং ব্যাখ্যা করি যে কীভাবে প্রতিটি আর্থ-রাজনৈতিক প্রভাব থেকে উদ্ভূত হয়েছিল সেই সময়ের প্রতিফলন থেকে।

 

ভারতীয় শিল্পের সংক্ষিপ্ত ইতিহাস

 

প্রত্নতাত্ত্বিকরা এই অঞ্চলে প্রাগৈতিহাসিক শিলা শিল্পের প্রমাণ খুঁজে পেয়েছেন—যেখানে গুহার শিলায় খোদাই করা বা অঙ্কন করা হয়েছে— সেগুলিঅন্তত ২৯০,০০০ বছর আগের। একটি প্রাচীনতম উদাহরণ হল মধ্য ভারতে পাওয়া ভীমবেটকা পেট্রোগ্লিফস্ (Bhimbetka petroglyphs) ।  এগুলির মধ্যে রয়েছে কাপুলস, যা অ-উপযোগী সংক্রান্ত গোলার্ধীয় কাপ-আকৃতির এবং যা পাথরের পৃষ্ঠ থেকে হাতুড়ি দ্বারা তৈরি করা হয়।  প্যালিওলিথিক, মেসোলিথিক এবং নিওলিথিক যুগে এই ধরনের রক (Rock) আর্ট ছিল গুহাচিত্রের প্রাথমিক রূপ, যা প্রায়শই প্রাণী এবং মানুষের রূপকে চিত্রিত করে।

 

  প্রাচীনতম ভারতীয় শিল্প ভাস্কর্যগুলি ২,৫০০ এবং ১,৮০০ খ্রীষ্টপূর্বাব্দের মধ্যে সিন্ধু সভ্যতা দ্বারা নির্মিত হয়েছিল। তারা ছোট পোড়ামাটি এবং ব্রোঞ্জের মূর্তি তৈরি করেছিল যেমন গরু এবং বানরের, যা মানুষ এবং পশুদের প্রতিনিধিত্ব করে।  খ্রিস্টপূর্ব  ৬ষ্ঠ শতাব্দীতে, বৌদ্ধ ধর্মের উত্থান ধর্মীয়-থিমযুক্ত শিল্পের জন্য পথ প্রশস্ত করেছিল, পাথর এবং ব্রোঞ্জের ভাস্কর্যের আকারে।  এই সময়ে, ধর্মীয় শিল্পীরা পাথরে খোদাই করা এবং গ্রীক-প্রভাবিত কলাম দিয়ে সজ্জিত বিশাল মন্দির তৈরির সাথেও পরীক্ষা-নিরীক্ষা করেন।

 

  ভারতীয় বৌদ্ধ ও হিন্দুদের মধ্যে ভাস্কর্য একটি সাধারণ রীতি ছিল।  হিন্দুধর্ম শতাব্দীর পর শতাব্দী ধরে ভারতীয় শিল্পের প্রধান কেন্দ্রবিন্দু হিসাবে অবিরত ছিল, কারণ শিবের মতো দেবদেবীর ভাস্কর্য সাধারণত তৈরি করা হত।  ১৬ শতকের মধ্যে, মুঘল সাম্রাজ্যের অধীনে ইসলাম গুরুত্ব পায় এবং ইসলামী শাসকদের অধীনে শিল্প উৎপাদন বৃদ্ধি পায়।  এই সময়ে, শিল্পকলার উন্নতি ঘটে এবং ১৬৩১ সালে তাজমহলের নির্মাণ শুরু হয়।

 

  ভারতে ব্রিটিশদের সম্পৃক্ততা ১৮ শতকে শুরু হয়েছিল, সেই সময়ে তারা ইউরোপীয় শৈলীর প্রচারের জন্য আর্ট স্কুল প্রতিষ্ঠা করেছিল।  ফলস্বরূপ, স্থানীয় শিল্প শৈলীগুলি বিদেশী প্রভাবের সাথে মিশে যায় এবং ঐতিহ্যগত শিল্প ফর্মগুলি রোমান্টিক বা অতিরঞ্জিত হয়ে ওঠে ইউরোপীয় ক্রেতাদের আহ্বান জানানোর জন্য।  ১৯৪৭ সালে, ভারত ব্রিটিশ সাম্রাজ্য থেকে স্বাধীনতা লাভ করে যা স্থানীয় শিল্পীদের একটি নতুন শৈলীর সন্ধানে ঠেলে দেয়।  সমসাময়িক ভারতীয় শিল্প ঐতিহ্যগত উপাদান এবং দেশের সমৃদ্ধ ইতিহাসের প্রভাবকে অন্তর্ভুক্ত করে।

 

|| অঙ্কন কথা || পর্ব - ৬

|| মাধ্যম জলরঙ ||

জলরঙ (Water colour) এমন একটি মাধ্যম যার দ্বারা খুব শীঘ্রই কোনো চিত্র ফুটিয়ে তোলা সম্ভব। এই মাধ্যমের দ্বারা কোনো বিষয়কে পরিপূর্ণ খুঁটিনাটি না ধরেই খুব সহজেই সুন্দর রূপে ফুটিয়ে তোলা যায়। তারজন্য চাই অভ্যাস ও ধৈর্য। যেকোনো বিষয়কে নিজের আয়ত্তে নিয়ে আসতে গেলে অভ্যাস ও ধৈর্যের প্রয়োজন হয়।এই জলরঙের পেপার নির্বাচন একটা গুরুত্বপূর্ণ বিষয়। বাজারে যে সমস্ত ড্রয়িং খাতা পাওয়া যায় সেগুলি শুরুতে জলরঙ প্র্যাকটিসের জন্য ঠিক আছে কিন্তু তাতে উপযুক্ত জলরঙের ছবি ঠিক ভাবে আঁকা যায় না। এই ধরনের পেপারের জল ধারণ ক্ষমতা খুবই কম থাকে আর তাছাড়া এই পেপার আমরা যতই রং দিই সেই তুলনায় তার উজ্জ্বলতা আসেই না। যার ফলে ছবির সৌন্দর্য্য কমে যায়। তাই জলরঙ করার জন্য আমদের উপযুক্ত কাগজ কেনা জরুরি। কিন্তু উপযুক্ত কাগজ পাবো কোথায়? এটা একটা প্রশ্ন। যাদের বাড়ি কলকাতার আশেপাশে তারা কোনো প্রসিদ্ধ আর্ট এর দোকান থেকে তা সংগ্রহ করতে পারে। এই জলরঙের কাগজের গুণমান অনুযায়ী মূল্য কম বেশি হয়। তবে এই ধরণের পেপার গুলিতে কমবেশি ভালোই কাজ করা যায়। যাদের বাড়ির আশেপাশে এই ধরনের পেপার সংগ্রহ করার উপযুক্ত কোন দোকান নেই, তারা অনলাইনে এই পেপার অর্ডার করতে পারেন। সেখানে আপনি সাইজ A4 থেকে ফুল সিটের কাগজ পেয়ে যাবেন। এরপর বিষয় হল রঙ। মার্কেটে জলরঙের দুটি বিকল্প পাওয়া যায় একটা স্টুডেন্ট ওয়াটার কালার অপরটি হল আর্টিস্ট ওয়াটার কালার। আর্টিস্ট ওয়াটার কালারের দাম একটু বেশি হলেও জলরঙের আসল মজা ও তার বিশেষ ধর্ম স্বচ্ছতাকে ঠিকভাবে বুঝতে গেলে আমাদের ওটাই সংগ্রহ করতে হবে। আর ব্রাশের (তুলি) ক্ষেত্রেও তাও আমরা অফলাইনে অথবা অনলাইন থেকে তা সংগ্রহ করতে পারি। প্রয়োজন অনুযায়ী কয়েকটা রাউন্ড ব্রাশ আর একটা বা দুটি ফ্ল্যাট ব্রাশ (১ ইঞ্চি, ১/২ ইঞ্চি)।

 

(Content subject to copyright)

|| অঙ্কন কথা || পর্ব - ৫

আমরা আগের পর্বেই আলোচনা করেছিলাম একজন শিল্পী বা অঙ্কন শিক্ষার্থীর কাছে সর্বদাই একটা ড্রয়িং প্যাড (খাতা) ও পেন্সিল থাকা অত্যন্ত জরুরী, যাতে আমরা যেকোন অবস্থাতে যেকোন জায়গায় স্কেচ বা ড্রয়িং করতে পারি। আমাদের ড্রয়িং এর দক্ষতা বাড়ানোর জন্য যারা প্রত্যহ ড্রয়িং এর অভ্যাস করে চলেছেন এবং ড্রয়িং এর দক্ষতা ও গতির উন্নতি করতে চান তাদের জন্য এই আলোচনা পর্ব। ড্রয়িং এর উন্নতি এবং তার দক্ষতা এবং গতি অর্জন করতে গেলে প্রত্যহ লাইফ ড্রয়িং প্র্যাকটিস করা উচিত (অর্থাৎ ব্যক্তিকে দেখে ড্রয়িং অভ্যাস করা)। অর্থাৎ বাড়ির আত্মীয়-স্বজন, বন্ধু-বান্ধব অথবা আমরা যখন বাইরে কোথাও যায় সেখানের মানুষজন বা কোনো বস্তু বা কোনো দৃশ্যকে দেখে লাইন ড্রয়িং এর অভ্যাস করা। এক্ষেত্রে শুধু সম্পূর্ণ কোনো মানুষের ড্রয়িং-ই নয় আমরা কোন মানুষের বিভিন্ন অঙ্গ প্রত্যঙ্গের ড্রয়িংও প্র্যাকটিস করতে পারি, যেমন মুখমণ্ডল (পোর্ট্রেট) হাত-পা ও আঙ্গুলের ড্রয়িং ইত্যাদিরও অভ্যাস করতে পারি। যখন এটা প্রত্যহ অভ্যাস করতে করতে আমাদের ড্রয়িং এর দক্ষতার কিছুটা উন্নতি ঘটবে এবং আমাদের ড্রয়িং আগের তুলনায় বেশ কিছুটা উন্নতি হবে তখন আমরা এই ড্রয়িং আরো দ্রুত কিভাবে আঁকা যায় তার চেষ্টা করব, একে বলা হয় র‍্যাপিড স্কেচ। অর্থাৎ আমরা কোন অবজেক্ট এর পুঙ্খানুপুঙ্খ ড্রয়িং না করে কয়েকটা লাইনের মাধ্যমে সেই অবজেক্ট এর অভিব্যক্তিকে ফুটিয়ে তোলার চেষ্টা করা। এই ড্রয়িং আমরা কোনো বাজারে গিয়ে একটা নির্দিষ্ট জায়গায় বসে, ট্রেনে যেতে যেতে বা কোন স্টেশনে বসেও আমরা করতে পারি অর্থাৎ এক্ষেত্রে যেটা হয় আমরা যাকে দেখে ড্রয়িং করছি তিনি অত্যন্ত কম সময়ে সেখানে অবস্থান করবেন, যার ফলে আমাদের বিস্তারিত আঁকা সম্ভব নয় অতএব কম লাইনের ব্যবহার করে আমরা সেই অবজেক্টকে দ্রুত আঁকার চেষ্টা করবো। এটাই হলো র‍্যাপিড স্কেচ। এই স্কেচের অভ্যাস আমাদের লাইন ড্রয়িংকে আরো দৃঢ় করে তুলবে। প্রথমে আমরা এক একটা চরিত্র ধরার চেষ্টা করব। যখন সেটা করতে করতে অভ্যাস হয়ে যাবে, তখন পরবর্তীকালে আমরা একটা পুরো কম্পোজিশন ধরার চেষ্টা করতে পারি। যেমন - কোন বাজার, টেশনের ভিড়, চায়ের দোকান ইত্যাদি আমরা খুব দ্রুত ও কম সংখ্যক লাইনের মাধ্যমে আঁকার চেষ্টা করব।

(Content subject to copyright)

নিচে উদাহরন স্বরূপ দুটি ছবি দেয়া হল। প্রথমটি হল পূর্ণ ড্রয়িং এবং দ্বিতীয়টি হল র‍্যাপিড স্কেচ।

 

|| অঙ্কন কথা || পর্ব - ৪

ড্রয়িং ইম্প্রুভ (উন্নতি) কিভাবে করব?

 

ড্রয়িং ইম্প্রুভ (উন্নতি) করার সবচেয়ে গুরুত্বপূর্ণ পদ্ধতি হলো প্রতিনিয়ত স্কেচ বা ড্রয়িং প্র্যাকটিস করা। আমরা যদি প্রতিনিয়ত স্কেচ করি তাহলে আমাদের ড্রইং এর দক্ষতা ইমপ্রুভ হবে এবং আমাদের ড্রইং এর লাইন আরো দৃঢ় হবে। তারজন্য একজন আর্টিস্টের কাছে সর্বদাই কয়েকটা পেন্সিল আর একটা ড্রয়িং প্যাড থাকা অত্যাবশ্যক। আমরা যেখানেই যায় না কেন কোথাও ঘুরতে বা বেড়াতে সেখানে আমরা আমাদের সাথে ড্রয়িংপ্যাড ও পেন্সিল নিয়ে যেতে পারি এবং আশে পাশের মানুষজন ও প্রকৃতির বিষয় অভ্যাস করতে পারি। আমরা যত বেশি পেন্সিল ব্যবহার করব আমাদের ড্রইং এর লাইন তত বেশি ইম্প্রুভ হবে। স্কেচ এমন একটি পদ্ধতি যেটা আমরা যেখানে ইচ্ছা করতে পারি, এমনকি  বাসে বা ট্রেনে যাত্রা করার সময় এক একটা অবজেক্টকে নিজের ড্রইং প্যাডে খুব শীঘ্রই এঁকে ফেলতে পারি, প্রথম প্রথম একটু অসুবিধা হলেও প্র্যাকটিস করার সাথে সাথে ড্রইং এর স্পিড এবং যে কোন অবজেক্টকে খুব শীঘ্র ধরে ফেলার ক্ষমতা বৃদ্ধি পায়। তাই যারা ছবি আঁকা শিখছেন এবং ছবি আঁকেকে আরো ইম্প্রুভ করতে চান তাহলে আপনার সাথে সর্বদা একটি পেন্সিল ও ড্রইং প্যাড অবশ্যই রাখবেন।

 

**পরবর্তী পর্বে আমরা খুব তাড়াতাড়ি কিভাবে কোন অবজেক্টকে কিভাবে স্কেচ করা হয় সে বিষয়ে আলোচনা করব।

[Content subject to copyright]

Written by Bachchu Chanda (Master's of Fine Art, Kolkata)

 

|| অঙ্কন কথা || পর্ব - ৩

প্রকৃতির বিভিন্ন দৃশ্য আমরা ওইখানে বসে আঁকতে পারি অথবা তার একটি ফটোগ্রাফি করে সেটা দেখে অথবা তার প্রিন্ট আউট বের করে আমরা আঁকতে পারি বিভিন্ন মিডিয়ামে যেমন- প্যাস্টেল, ওয়াটার কালার, ওয়েল ইত্যাদি।

 

প্রকৃতির কিরকম দৃশ্য আমাদের বিষয় হিসাবে নেব?

 

সেটা যে কোন ল্যান্ডস্কেপ হতে পারে যেমন গ্রামের কোন দৃশ্য, নদী-পুকুর,শহরের কোন দৃশ্য যেখানে আমরা ভূমিটাকে বেশি প্রাধান্য দেব। তাছাড়া আমরা কোন প্রাকৃতিক দৃশ্য হিসাবেও বিষয় নিতে পারি যেমন - কোন চায়ের দোকান, মাছের বাজার, সবজি বাজার ইত্যাদি বিভিন্ন দৃশ্য আমরা নিতে পারি।

 

প্রকৃতিতে বসে ল্যান্ডস্কেপ আঁকতে গেলে আমরা কিভাবে বুঝব যে আমাদের কতটা জিনিস আমাদের আঁকতে হবে?

 

কোন জায়গায় বসে প্রকৃতিকে আঁকতে গেলে আমরা বেশিরভাগ পেন্সিল স্কেচ, ওয়াটার কালার, পেন ইত্যাদি মিডিয়াম ব্যবহার করে থাকি যাতে সেটা খুব তাড়াতাড়ি আঁকা যায়। তাই বলে এই নয় যে অন্য মিডিয়ামেও আমরা আঁকতে পারবো না, সকল মিডিয়ামে প্রকৃতিতে বসে আঁকা সম্ভব। যখন আমার একটা ল্যান্ডস্কেপ করতে বসবো তখন আমরা কতটা আঁকবো বুঝে উঠতে পারিনা, তখন আমারা একটা জিনিস ব্যবহার করতে পারি। একটা ছোট আয়তক্ষেত্র কাগজ তার মাঝখানটা আয়তক্ষেত্র অনুযায়ী কেটে নিয়ে একটা ফ্রেমের মতো বানিয়ে নিতে পারি যাতে তার মধ্য দিয়ে দেখা যায় এবং যখন আমরা কোন ল্যান্ডস্কেপ আঁকতে বসবো তখন আমরা ওই ফ্রেমের মত কাগজটি বাঁ চোখের কাছে নিয়ে আসলে আমরা একটি ল্যান্ডস্কেপের মাপ পেয়ে যাব যে আমাকে কতটা বাদ দিতে হবে বা কতটা রাখতে হবে।

 

প্রকৃতির কোন কম্পোজিশন ওখানে বসে আঁকা সম্ভব?

 

হ্যাঁ ওখানে বসে আঁকা সম্ভব, তবে এই ক্ষেত্রে যে মিডিয়াম সবচেয়ে বেশি তাড়াতাড়ি ব্যবহার করা যায় সেটি ব্যবহার করতে হবে। কারণ যখন আমরা কোন দৃশ্যকে আঁকছি যেমন কোন  বাজারের দৃশ্য, সেখানে মানুষজন সর্বদা চলাফেরা করছে তাই সে ক্ষেত্রে যত দ্রুত আঁকা যায় সেরকম মিডিয়াম ব্যবহার করতে হবে। যেমন ওয়াটার কালার, পেন্সিল স্কেচ। তবে ফটোগ্রাফি করে বাড়িতে বসে কাজ করলেও আমরা অনেকক্ষণ সময় দিয়ে সে কাজ করতে পারি বিভিন্ন মিডিয়ামে।

 

বাড়িতে বসে আমরা যেকোনো মিডিয়ামে আর কি আঁকতে পারি?

 

বাড়িতে বসে স্টিল লাইফ আঁকতে পারি। আমরা যে কোন ফুলের ফুলের টব, ফুলদানি, বিভিন্ন ধরনের ফল এবং আরো মজাদার বিভিন্ন ধরনের জিনিস আমরা একটা সুন্দর কম্পোজিশন অনুযায়ী সাজিয়ে সেটি দেখে স্টাডি করতে পারি। এবং সুন্দরভাবে রঙের সাহায্যে ফুটিয়ে তুলতে পারি।

 

তাড়াতাড়ি স্কেচ করার পদ্ধতি কি?

 

আমাদের ড্রয়িং এর স্পিড বা স্কেচ করার পদ্ধতি উন্নত করার জন্য আমরা আমাদের বাড়ির যারা যারা রয়েছেন বা বাইরে আমরা যাদের দেখতে পাচ্ছি যারা বসে আছে বা হাঁটাচলা করছে তাদের খুব শিগগিরই স্কেচ করার অভ্যাস করতে পারি। এর ফলে আমাদের হাতে ড্রয়িং খুব দ্রুত উন্নতি হবে।

 

।।ধন্যবাদ।।

[Content subject to copyright.]

Written by Bachchu Chanda (Master's of Fine Art, Kolkata)

 .

|| অঙ্কন কথা || পর্ব - ২

এই পর্ব আমাদের Intermediate চিত্রশিল্পী বা শিক্ষার্থীদের জন্য যারা প্যাস্টেল, ওয়াটার কালারের সাথে পরিচিত। আমরা যখন আঁকা শিখি, তখন আমাদের বাড়ির কাছাকাছি যে সব শিক্ষকরা আছেন তারা বিভিন্ন ড্রয়িং বই থেকে বিভিন্ন সিনারী আঁকতে দেন। আমরা সেটা থেকেই কপি করে থাকি। এটা শুরুতে ড্রয়িং শেখার জন্য ঠিক আছে। কিন্তু পরবর্তীতে প্রতিনিয়ত কপি করা একটা ভুল পদ্ধতি। প্রত্যেক শিক্ষার্থীর দেখার দৃষ্টিভঙ্গি ভিন্ন হয়। যে শিল্পীর বইটা থেকে আমরা কপি করছি তার সিনারী বা কম্পোজিশন, দেখার দৃষ্টিভঙ্গি, কালার, কন্সেপ্ট আলাদা। সেই শিল্পীও একটা প্রকৃতির কোন দৃশ্যকে সেখানে বসে বা তার ফটোগ্রাফী করে কাজ করছেন। সেক্ষেত্রে তিনি ওই প্রকৃতি কে তার চোখে তিনি যেভাবে দেখছেন সেভাবেই একেছেন। তাই আপনি দেখবেন বিভিন্ন বই এ বিভিন্ন শিল্পীর কাজ ও ড্রয়িং ভিন্ন, অতএব ওটা ওনাদের একজনের নিজস্ব শৈলী। সেটা দেখে কপি করলে আমরা নিজে কিছু শিখতে পারব না। কারণ তিনি সেখানে তার ড্রয়িং তার কালার তিনি করে সবকিছু করে দিয়েছেন। সেটা দেখে আঁকলে আমরা তাকে কপি করছি, তার কাজের স্টাইল আমারা অভ্যাস করে ফেলেছি। ফলে আমরা আমাদের নিজস্বতা হারিয়ে ফেলব এবং আমারা নতুন কিছু ভাবতে বা দেখতে পারবো না। ছবি আঁকা শেখার জন্য আমরা বিভিন্ন বড় বড় শিল্পীর কাজ গাইড হিসাবে দেখতে পারি। কিন্ত সেটা থেকে সবসময় হুবুহ কপি করার চেষ্টা করতে পারি না। হ্যা হয়ত কোন সময় একটু তার কাজ দেখে করতে ইচ্ছে করছে সেক্ষত্রে আপনি করতেই পারেন, তবে প্রতিনিয়ত না। সে ক্ষেত্রে আমরা যেটা করতে পারি সেটা হল আমরা কোন বাইরের দৃশ্য দেখে সেখানে বসে বা ফটোগ্রাফি করে সেটা দেখে ড্রয়িং ও কালার করতে পারি। এরফলে যে কাজটা তৈরি হবে সেটা হবে সম্পূর্ণ আমার নিজস্ব শৈলী। ফলে ধীরে ধীরে আমরা নিজেই প্রকৃতির রঙ, তার ড্রইয়িং এর সাথে পরিচিত হব। তার ফলে যেটা সৃষ্টি হবে সেটা সম্পূর্ন আপনার নিজস্ব একটা কাজ। একটা ছবি। এবং সেটা হবে অদ্বিতীয়।

Writing by Bachchu Chanda (Masters of Fine Art, kolkata)n

[Content subject to copyright.]

 

**প্রকৃতির কি কি জিনিস আমরা কিভাবে আঁকব সেটা পরবর্তী পর্বে আলোচনা করবো।

 

।। অঙ্কন কথা ।। - পর্ব -১

'ছবি আঁকা মানে সর্বদা এই নয় যে একটা খুব পরিপাটি সুন্দর জিনিসই আঁকতে হবে। অনেকেই মনে করেন পেইন্টিং মনে সুন্দর দৃশ্য, সুন্দর মুখ। সেটা সবসময় নাও হতে পারে। আপনি পৃথিবীটাকে কিভাবে দেখছেন, তার ভিত্তিতেও কাজে পরিবর্তন আসতে পারে। প্রাথমিক পর্বে আমরা সকলেই সুন্দর ভাবে ড্রয়িং, ছবি শিখি বা করি। আমি শুধু আর্ট কলেজের স্টুডেন্টদের কথা বলছি না যারা এখনও স্কুল জীবনে আছেন এবং ছবি আঁকেন তাদেরও বলছি। ছবি মানে একটা শিল্প একটা সৃষ্টি। ছবির মাধ্যমে আমরা অনেক কিছু প্রকাশ করতে পারি, একটা নতুন সৃষ্টি করতে পারি, যেটা হবে সবার থেকে আলাদা। তাই আমি নিজে নতুন কি সৃষ্টি করলাম সেটাই সর্বদা মাথায় রাখতে হবে। আমরা এতদিন যাবৎ যে যে বিষয় বা বস্তু এঁকেছি বা শিখেছি সেই সব অবজেক্ট এর সাথে মনের ভাব একত্রিত করে নতুন কিছু একটা সৃষ্টি করা, সেখানে বিভিন্ন শিল্পীর বিষয় ও চিন্তা ভাবনা ভিন্ন হবে। অর্থাৎ কবি বা সাহিত্যিক তাঁর জীবনের গল্প বা বাস্তবিক জীবনের প্রতিক্রিয়া, প্রতিবাদ, আনন্দ, দুঃখ, সবকিছু তার লেখার মাধ্যমে ফুটিয়ে তোলেন, ঠিক সেই ভাবেই ছবিতেও আমরা আমাদের ভাব প্রকাশ করতে পারি। সেক্ষেত্রে প্রতিটি শিল্পীর বিষয়, ছবির লাইন, রং, সারফেস আলাদা আলাদা হতে পারে। অর্থাৎ আমি আমার কাজের মধ্যে যেটা ফুটিয়ে তোলার চেষ্টা করছি, সেটার ড্রয়িং, রং, টেক্সচার কিরকম করলে ভালো হবে সেটা আপনার বিষয় ও চিন্তাভাবনার ওপর নির্ভর করবে। এমনকি আপনার পেন্সিল ড্রয়িং, প্যাস্টেল, ওয়াটার কালার এর কাজেও নিজস্ব শৈলী আনতে পারেন, শুধুমাত্র একটু অভ্যাসের দ্বারা। আপনি বিভিন্ন বিখ্যাত শিল্পীর কাজও দেখতে পারেন, এবং তাদের কাজের বিষয় যদি আপনার চিন্তাভাবনার সাথে মেলে, তার কাজ থেকে আপনি অনুপ্রাণিত হতে পারেন এবং আপনি নতুন কিছু সৃষ্টি করতে পারেন। এরপর আপনি যেটা সৃষ্টি করবেন সেটা সম্পূর্ন আপনার নিজস্ব আর তখনই সেটা একটা প্রকৃত ছবি হয়ে ওঠবে।

।।পড়ার জন্য  অসংখ্য ধন্যবাদ।।

[Content subject to copyright.]

(Writer - Bachchu Chanda)

Masters of Fine Art, Kolkata